Featured Events in Paris in March, 2024 (May Updated)

Learn the art of dyeing wool fabric in this beginner class led by rug hooker and teacher Elizabeth Miller. Explore the techniques of pot dyeing, microwave dyeing, and casserole dyeing to create your own unique hand-dyed fabrics. Participants will walk away with a full yard of beautiful hand-dyed wool fabric, along with a helpful printed booklet for future reference. As an added bonus, each attendee will receive a skein of Briggs & Little wool yarn for dyeing. All materials will be provided, and refreshments will be available during the class. Feel free to bring a bag lunch to enjoy as well. Join Elizabeth Miller at Parris House Wool Works in Paris on March 30, 2024, for this enriching experience. Secure your spot for this exciting class at the price of $95.

Metamorphoses offers children a chance to explore various metamorphoses – natural, amazing and also personal – by bringing together science and imagination. It also introduces the basis of a scientific approach by encouraging children of all ages to observe, be amazed and question – whilst stimulating their imagination. Whether they are the sources of fascination or apprehension, metamorphoses open up new possibilities.

Metamorphoses offers children a chance to explore various metamorphoses – natural, amazing and also personal – by bringing together science and imagination. It also introduces the basis of a scientific approach by encouraging children of all ages to observe, be amazed and question – whilst stimulating their imagination. Whether they are the sources of fascination or apprehension, metamorphoses open up new possibilities.

Scénographié au sein d’un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : l’ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel depuis mai 2023, dédiée à l’art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d’artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde. Le 110 Honoré, lieu pluridisciplinaire unique à Paris Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d’une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d’un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d’un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d’une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L’ouverture de l’ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023. Déjà ouverte à l’heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l’équilibre alimentaire de chacun, promesse d’une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai. « La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s’installer durablement à Paris s’inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel. La galerie 110 Véronique Rieffel, au cœur du 110 Honoré Initialement créée en Côte d’Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l’art et qui s’engage aux côtés d’artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s’affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent. Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu’elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l’international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d’un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. Parallèlement à la programmation au sein de la galerie, sera lancée une collection de livres d’art en lien avec les artistes représentés par Véronique Rieffel. Makenzy Orcel, l’un des écrivains les plus talentueux de la littérature contemporaine sera le premier invité à poser son regard sur Clay Apenouvon. Pour son exposition inaugurale, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente l’œuvre de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. L'exposition inaugurale Clay Apenouvon, « NOIRTOTAL » 12 mai - 30 juillet 2023 Pour son ouverture, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente « NOIRTOTAL », une exposition personnelle de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. Cette exposition rassemblera à la fois des pièces iconiques d’une œuvre construite depuis plusieurs années autour de ses deux matériaux de prédilection : le film plastique noir et la couverture de survie à la symbolique à la fois politique et écologique. Celui que l’on appelle le « Soulages ou le Christo africain », présentera également des œuvres inédites, entre abstraction et figuration, explorant la métaphore de l’artiste boxeur inspirée par la figure légendaire de Mohamed Ali. Clay Apenouvon est né en 1970 à Lomé au Togo. Enfant, il entretient une relation conflictuelle avec l’institution scolaire. Loin des contraintes imposées par le cadre de l’école, il construit, crée et invente. Ainsi dès le plus jeune âge, c’est dans la créativité que l’artiste trouve la source de son épanouissement. Fasciné par le pouvoir que l’image peut exercer sur l’humain et maîtrisant les techniques de la peinture et du dessin, il affirme sa volonté de donner à sa création une portée plus grande et de s’accomplir en tant qu’artiste.

Scénographié au sein d’un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : l’ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel depuis mai 2023, dédiée à l’art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d’artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde. Le 110 Honoré, lieu pluridisciplinaire unique à Paris Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d’une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d’un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d’un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d’une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L’ouverture de l’ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023. Déjà ouverte à l’heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l’équilibre alimentaire de chacun, promesse d’une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai. « La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s’installer durablement à Paris s’inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel. La galerie 110 Véronique Rieffel, au cœur du 110 Honoré Initialement créée en Côte d’Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l’art et qui s’engage aux côtés d’artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s’affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent. Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu’elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l’international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d’un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. Parallèlement à la programmation au sein de la galerie, sera lancée une collection de livres d’art en lien avec les artistes représentés par Véronique Rieffel. Makenzy Orcel, l’un des écrivains les plus talentueux de la littérature contemporaine sera le premier invité à poser son regard sur Clay Apenouvon. Pour son exposition inaugurale, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente l’œuvre de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. L'exposition inauguraleClay Apenouvon, « NOIRTOTAL »12 mai - 30 juillet 2023 Pour son ouverture, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente « NOIRTOTAL », une exposition personnelle de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. Cette exposition rassemblera à la fois des pièces iconiques d’une œuvre construite depuis plusieurs années autour de ses deux matériaux de prédilection : le film plastique noir et la couverture de survie à la symbolique à la fois politique et écologique. Celui que l’on appelle le « Soulages ou le Christo africain », présentera également des œuvres inédites, entre abstraction et figuration, explorant la métaphore de l’artiste boxeur inspirée par la figure légendaire de Mohamed Ali. Clay Apenouvon est né en 1970 à Lomé au Togo. Enfant, il entretient une relation conflictuelle avec l’institution scolaire. Loin des contraintes imposées par le cadre de l’école, il construit, crée et invente. Ainsi dès le plus jeune âge, c’est dans la créativité que l’artiste trouve la source de son épanouissement. Fasciné par le pouvoir que l’image peut exercer sur l’humain et maîtrisant les techniques de la peinture et du dessin, il affirme sa volonté de donner à sa création une portée plus grande et de s’accomplir en tant qu’artiste.

Scénographié au sein d’un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : l’ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel depuis mai 2023, dédiée à l’art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d’artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde. Le 110 Honoré, lieu pluridisciplinaire unique à Paris Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d’une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d’un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d’un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d’une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L’ouverture de l’ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023. Déjà ouverte à l’heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l’équilibre alimentaire de chacun, promesse d’une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai. « La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s’installer durablement à Paris s’inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel. La galerie 110 Véronique Rieffel, au cœur du 110 Honoré Initialement créée en Côte d’Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l’art et qui s’engage aux côtés d’artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s’affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent. Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu’elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l’international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d’un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. Parallèlement à la programmation au sein de la galerie, sera lancée une collection de livres d’art en lien avec les artistes représentés par Véronique Rieffel. Makenzy Orcel, l’un des écrivains les plus talentueux de la littérature contemporaine sera le premier invité à poser son regard sur Clay Apenouvon. Pour son exposition inaugurale, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente l’œuvre de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. L'exposition inauguraleClay Apenouvon, « NOIRTOTAL »12 mai - 30 juillet 2023 Pour son ouverture, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente « NOIRTOTAL », une exposition personnelle de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. Cette exposition rassemblera à la fois des pièces iconiques d’une œuvre construite depuis plusieurs années autour de ses deux matériaux de prédilection : le film plastique noir et la couverture de survie à la symbolique à la fois politique et écologique. Celui que l’on appelle le « Soulages ou le Christo africain », présentera également des œuvres inédites, entre abstraction et figuration, explorant la métaphore de l’artiste boxeur inspirée par la figure légendaire de Mohamed Ali. Clay Apenouvon est né en 1970 à Lomé au Togo. Enfant, il entretient une relation conflictuelle avec l’institution scolaire. Loin des contraintes imposées par le cadre de l’école, il construit, crée et invente. Ainsi dès le plus jeune âge, c’est dans la créativité que l’artiste trouve la source de son épanouissement. Fasciné par le pouvoir que l’image peut exercer sur l’humain et maîtrisant les techniques de la peinture et du dessin, il affirme sa volonté de donner à sa création une portée plus grande et de s’accomplir en tant qu’artiste.

Scénographié au sein d’un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : l’ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel depuis mai 2023, dédiée à l’art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d’artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde. Le 110 Honoré, lieu pluridisciplinaire unique à Paris Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d’une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d’un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d’un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d’une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L’ouverture de l’ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023. Déjà ouverte à l’heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l’équilibre alimentaire de chacun, promesse d’une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai. « La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s’installer durablement à Paris s’inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel. La galerie 110 Véronique Rieffel, au cœur du 110 Honoré Initialement créée en Côte d’Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l’art et qui s’engage aux côtés d’artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s’affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent. Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu’elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l’international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d’un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. Parallèlement à la programmation au sein de la galerie, sera lancée une collection de livres d’art en lien avec les artistes représentés par Véronique Rieffel. Makenzy Orcel, l’un des écrivains les plus talentueux de la littérature contemporaine sera le premier invité à poser son regard sur Clay Apenouvon. Pour son exposition inaugurale, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente l’œuvre de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. L'exposition inauguraleClay Apenouvon, « NOIRTOTAL »12 mai - 30 juillet 2023 Pour son ouverture, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente « NOIRTOTAL », une exposition personnelle de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. Cette exposition rassemblera à la fois des pièces iconiques d’une œuvre construite depuis plusieurs années autour de ses deux matériaux de prédilection : le film plastique noir et la couverture de survie à la symbolique à la fois politique et écologique. Celui que l’on appelle le « Soulages ou le Christo africain », présentera également des œuvres inédites, entre abstraction et figuration, explorant la métaphore de l’artiste boxeur inspirée par la figure légendaire de Mohamed Ali. Clay Apenouvon est né en 1970 à Lomé au Togo. Enfant, il entretient une relation conflictuelle avec l’institution scolaire. Loin des contraintes imposées par le cadre de l’école, il construit, crée et invente. Ainsi dès le plus jeune âge, c’est dans la créativité que l’artiste trouve la source de son épanouissement. Fasciné par le pouvoir que l’image peut exercer sur l’humain et maîtrisant les techniques de la peinture et du dessin, il affirme sa volonté de donner à sa création une portée plus grande et de s’accomplir en tant qu’artiste.

Scénographié au sein d’un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : l’ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel depuis mai 2023, dédiée à l’art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d’artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde. Le 110 Honoré, lieu pluridisciplinaire unique à Paris Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d’une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d’un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d’un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d’une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L’ouverture de l’ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023. Déjà ouverte à l’heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l’équilibre alimentaire de chacun, promesse d’une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai. « La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s’installer durablement à Paris s’inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel. La galerie 110 Véronique Rieffel, au cœur du 110 Honoré Initialement créée en Côte d’Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l’art et qui s’engage aux côtés d’artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s’affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent. Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu’elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l’international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d’un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. Parallèlement à la programmation au sein de la galerie, sera lancée une collection de livres d’art en lien avec les artistes représentés par Véronique Rieffel. Makenzy Orcel, l’un des écrivains les plus talentueux de la littérature contemporaine sera le premier invité à poser son regard sur Clay Apenouvon. Pour son exposition inaugurale, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente l’œuvre de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. L'exposition inauguraleClay Apenouvon, « NOIRTOTAL »12 mai - 30 juillet 2023 Pour son ouverture, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente « NOIRTOTAL », une exposition personnelle de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. Cette exposition rassemblera à la fois des pièces iconiques d’une œuvre construite depuis plusieurs années autour de ses deux matériaux de prédilection : le film plastique noir et la couverture de survie à la symbolique à la fois politique et écologique. Celui que l’on appelle le « Soulages ou le Christo africain », présentera également des œuvres inédites, entre abstraction et figuration, explorant la métaphore de l’artiste boxeur inspirée par la figure légendaire de Mohamed Ali. Clay Apenouvon est né en 1970 à Lomé au Togo. Enfant, il entretient une relation conflictuelle avec l’institution scolaire. Loin des contraintes imposées par le cadre de l’école, il construit, crée et invente. Ainsi dès le plus jeune âge, c’est dans la créativité que l’artiste trouve la source de son épanouissement. Fasciné par le pouvoir que l’image peut exercer sur l’humain et maîtrisant les techniques de la peinture et du dessin, il affirme sa volonté de donner à sa création une portée plus grande et de s’accomplir en tant qu’artiste.

Scénographié au sein d’un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : l’ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel depuis mai 2023, dédiée à l’art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d’artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde. 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La galerie s’affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent. Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu’elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l’international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d’un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. Parallèlement à la programmation au sein de la galerie, sera lancée une collection de livres d’art en lien avec les artistes représentés par Véronique Rieffel. Makenzy Orcel, l’un des écrivains les plus talentueux de la littérature contemporaine sera le premier invité à poser son regard sur Clay Apenouvon. Pour son exposition inaugurale, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente l’œuvre de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. L'exposition inaugurale Clay Apenouvon, « NOIRTOTAL » 12 mai - 30 juillet 2023 Pour son ouverture, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente « NOIRTOTAL », une exposition personnelle de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. Cette exposition rassemblera à la fois des pièces iconiques d’une œuvre construite depuis plusieurs années autour de ses deux matériaux de prédilection : le film plastique noir et la couverture de survie à la symbolique à la fois politique et écologique. Celui que l’on appelle le « Soulages ou le Christo africain », présentera également des œuvres inédites, entre abstraction et figuration, explorant la métaphore de l’artiste boxeur inspirée par la figure légendaire de Mohamed Ali. Clay Apenouvon est né en 1970 à Lomé au Togo. Enfant, il entretient une relation conflictuelle avec l’institution scolaire. Loin des contraintes imposées par le cadre de l’école, il construit, crée et invente. Ainsi dès le plus jeune âge, c’est dans la créativité que l’artiste trouve la source de son épanouissement. Fasciné par le pouvoir que l’image peut exercer sur l’humain et maîtrisant les techniques de la peinture et du dessin, il affirme sa volonté de donner à sa création une portée plus grande et de s’accomplir en tant qu’artiste.

Scénographié au sein d’un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : l’ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel depuis mai 2023, dédiée à l’art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d’artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde. Le 110 Honoré, lieu pluridisciplinaire unique à Paris Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d’une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d’un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d’un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d’une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L’ouverture de l’ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023. Déjà ouverte à l’heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l’équilibre alimentaire de chacun, promesse d’une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai. « La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s’installer durablement à Paris s’inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel. La galerie 110 Véronique Rieffel, au cœur du 110 Honoré Initialement créée en Côte d’Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l’art et qui s’engage aux côtés d’artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s’affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent. Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu’elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l’international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d’un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. Parallèlement à la programmation au sein de la galerie, sera lancée une collection de livres d’art en lien avec les artistes représentés par Véronique Rieffel. Makenzy Orcel, l’un des écrivains les plus talentueux de la littérature contemporaine sera le premier invité à poser son regard sur Clay Apenouvon. Pour son exposition inaugurale, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente l’œuvre de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. L'exposition inaugurale Clay Apenouvon, « NOIRTOTAL » 12 mai - 30 juillet 2023 Pour son ouverture, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente « NOIRTOTAL », une exposition personnelle de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. Cette exposition rassemblera à la fois des pièces iconiques d’une œuvre construite depuis plusieurs années autour de ses deux matériaux de prédilection : le film plastique noir et la couverture de survie à la symbolique à la fois politique et écologique. Celui que l’on appelle le « Soulages ou le Christo africain », présentera également des œuvres inédites, entre abstraction et figuration, explorant la métaphore de l’artiste boxeur inspirée par la figure légendaire de Mohamed Ali. Clay Apenouvon est né en 1970 à Lomé au Togo. Enfant, il entretient une relation conflictuelle avec l’institution scolaire. Loin des contraintes imposées par le cadre de l’école, il construit, crée et invente. Ainsi dès le plus jeune âge, c’est dans la créativité que l’artiste trouve la source de son épanouissement. Fasciné par le pouvoir que l’image peut exercer sur l’humain et maîtrisant les techniques de la peinture et du dessin, il affirme sa volonté de donner à sa création une portée plus grande et de s’accomplir en tant qu’artiste.

Ce dispositif pédagogique d’envergure s’adresse aux étudiantes et étudiants formés à l’École des Arts Décoratifs, ainsi qu’aux élèves de La Renverse, programme dédié aux talents éloignés des cursus académiques classiques. Le NID s’organisera en deux volets complémentaires : renforcer la place et la pratique du dessin dans l’enseignement dès la première année d’intégration à l’École et déclencher des vocations autour du dessin. Cette Chaire déploiera chaque année un cycle de découverte et de création à Paris et hors-les-murs, des bourses d’études et de production du projet diplômant, ainsi qu’un programme de mentorat professionnalisant. La coordination scientifique et artistique sera assurée par Alexandra Fau, commissaire d’exposition indépendante, critique d’art et enseignante en histoire de l’art. « Plus de 250 ans après la création de l’École des Arts Décoratifs comme école de dessin gratuite, le NID, Chaire des Nouveaux Imaginaires du Dessin, a pour vocation de consolider et de développer cette pratique fondatrice au sein de la pédagogie. Grâce au mécénat de la maison Hermès, avec laquelle nous partageons des valeurs de transmission et de savoir-faire, nous avons les moyens de mettre en œuvre un ambitieux programme éducatif, qui viendra aussi en appui d’une politique d’ouverture sociale, avec un important volet de bourses. Catalyseur d’une pédagogie augmentée et de soutiens transformateurs dans le champ du dessin, le NID est pensé pour les étudiantes et étudiants comme un foyer incubateur d’expression à venir pour un monde en transition.» - Emmanuel Tibloux, directeur de l’École des Arts Décoratifs « Dessiner, c'est panser » : Une première année sous le signe du soin « Dès la rentrée de septembre 2023, l’École inaugure un nouveau chapitre de sa relation historique au dessin, en lançant grâce au mécénat de la maison Hermès, le NID, Chaire des Nouveaux Imaginaires du Dessin, dont le nom suggère à la fois un refuge et de multiples échappées. Cette première année est placée sous le signe de l’empathie et de l’attention à l’Autre. Comment le dessin est-il en mesure de panser les plaies, de proposer une réécriture de soi, de se réconcilier avec l’histoire ou encore de restaurer une médiation (réparer le lien de l’homme à la nature) ? Ce nouvel élan pédagogique conforte l’importance d’un médium léger, agile et libre, capable d’accompagner les pensées vagabondes, les expérimentations ou les aspects plus techniques. Dès la première année, les étudiant·es pourront se saisir de ce formidable outil de connaissance et d’émancipation qui innerve tous les champs de la création. Ils seront encouragés à remplir des carnets d’annotations de « pensées plumes » et à développer de nombreuses applications. La Chaire mobilise les talents des enseignant·es de l’École, et d’un grand nombre de créateurs et professionnels invités, venus investir toutes les potentialités d’un médium qui, par ses multiples approches, permet d’accompagner le décloisonnement que notre époque appelle. Le NID redonne aussi au dessin une valeur d’usage qu’il a perdue ces dernières années, avec la célébration de son autonomie par le milieu de l’art contemporain. Son histoire liée à une utilité sociale ou technique ouvre un autre pan de l’histoire visuelle avec quelques points aveugles qui restent à explorer. » - Alexandra Fau, Coordinatrice scientifique du NID, Chaire des Nouveaux Imaginaires du Dessin Un dispositif d'envergure Provoquer les vocations, marquer les parcours créatifs Les 80 nouveaux étudiant·es de 1ère année de l’École des Arts Décoratifs Ce dispositif pédagogique d’envergure s’adresse aux 80 nouveaux étudiantes et étudiants de l’École des Arts Décoratifs, qui rejoignent l'École pour leur première année. Un ambitieux workshop et un voyage d’étude leur sont proposés dès le premier mois de la rentrée. Au programme de ces 3 semaines fédérant la nouvelle génération d’étudiant·es entrante : 1 semaine d’apprentissages et conférences, 1 semaine de voyage d’étude et création, 1 semaine de mise en scène de leurs dessins en vue de l’exposition finale du workshop. Le voyage d'étude, qui se déroulera du 18 au 21 septembre, permettra aux étudiant·es de s'imprégner des territoires oubliés du Nord de la France, des archives historiques de métiers particulièrement pénibles (avec le centre historique minier), de découvrir la Villa Cavrois, les collections du Louvre Lens, du Cateau-Cambresis ou de Valenciennes, du Frac Picardie... Tout au long de l’année, les étudiant·es profiteront par ailleurs de 4 nouveaux programmes d’enseignement et d’apprentissage du dessin et bénéficieront de l’expertise d’un nouvel enseignant en dessin à l’année, comme de plus de 30 artistes invités au long de l’année. 15 jeunes talents de La Renverse Le NID s’adresse aussi aux élèves de La Renverse, programme dédié aux talents éloignés des cursus académiques classiques. Imaginée par les Ateliers Médicis et l'École des Arts Décoratifs, La Renverse est une formation artistique d’une année qui s’adresse à des jeunes créatif·ves âgé·es de 18 à 25 ans, issu·es de Seine-Saint-Denis ou des départements limitrophes, passionné·es par la création, en particulier par la photo, la vidéo, la mode, le dessin ou encore le design. Deux semaines de workshop seront dédiées, grâce au NID, au medium dessin. La première semaine leur offrira une formation aux fondamentaux du dessin contemporain (morphologie, typographie, architecture, mode) avec des artistes spécialisés. La deuxième semaine leur permettra d'élaborer collectivement une œuvre en grand format dont l'exposition-restitution aura lieu aux Magasins Généraux à Pantin. Soutenir et accompagner les nouveaux talents À partir de la deuxième année sont également sont également mis en place d'importants dispositifs de soutien : 3 nouvelles bourses au mérite par an, de 4 000 euros chacune, pour 12 jeunes talents du dessin soutenus sur critères sociaux tout au long de leur scolarité avec un 1 mentorat professionnalisant ; 3 bourses d’excellence par an, de 1 000 euros chacune, pour 9 projets de diplômes incarnant le renouveau du dessin, soutenus par le NID.

The Moulin Rouge is located in the Pigalle area of the Montmartre district of Paris. The Moulin Rouge is not big from the outside, and the red windmill on the roof is his symbol, which is very conspicuous. Historical background The Moulin Rouge was founded in 1889. It is a historic show in Paris. Now it can accommodate more than 2,000 people and attract audiences from all over the world. In 2001, Nicole Kidman starred in "Moulin Rouge" to make it more famous. The exciting cabaret show Moulin Rouge is also known as the birthplace of modern cancan, which incorporates more acrobatic and athletic skills. Lively rhythm, kicking high thighs, amazing, slightly crazy. In addition, the sky show is also very attractive. The exquisite costumes of the dancers are tailor-made by Italian design masters. The stage design is quite elegant, and the scenes are varied. The dancers come from all over the world, and the performance level is very high. During the period, acrobatics and magic are interspersed. Waiting for the performance, amazing and exciting. Night performances The Moulin Rouge song and dance show usually starts at 7 pm, and there are two to three performances every night. The performance time is about 1 hour and 30 minutes. The performances including dinner are generally around 7 pm. Please refer to the official website for the specific time. When watching the performance, the Moulin Rouge does not allow coats and coats to be brought into the room, and coats must be stored before entering the venue

Crazy Horse (formerly known as Crazy Horse Saloon) is a cabaret located at 12 avenue George V, in the Champs-Élysées district of Paris. It was founded by Alain Bernardin in 1951. The name "Crazy Horse" comes from the English name of the Sioux chief Thašunka Witko and subsequently became famous. It is one of the three great spectacles of Paris, alongside the Lido and the Moulin Rouge. The Crazy Horse show is known for its exquisite, elegant, and alluring performances, which are artistic displays incorporating the concepts of "sound, light, color, and nudity." The entire show is typically comprised of beautiful dancers with well-proportioned and consistent bodies, who use gorgeous and fantastic lights and smoke as their clothing, presenting a three-dimensional song and dance show that combines sound, light, and sensory effects under colorful lighting and music.

Dix années que l’association, co-fondée en 2014 par l’historienne de l’art Camille Morineau, travaille à rendre visibles les artistes femmes des XIXe et XXe siècles par différents moyens : un site Internet proposant plus de 1 100 textes biographiques gratuits et entièrement bilingues, rédigés par plus de 500 chercheur·euses, curateur·rices, historien·nes de l’art féministes, critiques d’art et activistes ; des colloques, tables-rondes et séminaires en partenariat avec différentes structures à l’international ; des publications régulières ; des prix récompensant des artistes femmes ; un centre de recherche et de documentation, mais aussi le développement de réseaux dans le monde entier. Cette année anniversaire sera rythmée au long de l’année par de nombreux événements en France et à l’étranger. « AWARE est un acronyme que j’ai envie, pour ce 10ème anniversaire, de décliner parfois autrement. A comme Archives. Celles qui m’avaient manquées lorsque, fin 2007, je commençais à travailler sur « elles@centrepompidou » ouvert en 2009 : les 300 artistes et 1 000 œuvres qui étaient dans les collections du MNAM étaient peu documentées. Il était difficile de montrer celles sur qui presque rien n’avait été écrit. Depuis, la visibilité des artistes femmes ne fait plus de doute et le cercle vicieux d’absence d’information est devenu vertueux avec le nombre d’expositions, de publications. Mais aussi A comme Anniversaire et le petit frisson de souffler tant de bougies - car comment aurais-je pu rêver que le projet, né en 2014, puisse durer et que l’utopie d’un outil à la fois utile et qui transforme, se transforme en réalité ? Plus de 1 000 biographies, plus de 100 000 connexions par mois ? AWARE reste unique au monde dans son ambition géographique et sa chronologie. On les soufflera à plusieurs, ces bougies. Une petite équipe parisienne si engagée, et ma grande équipe internationale qui l’est tout autant, se réjouiront de cet exploit. Une diversité de voix, un projet collectif et horizontal, où le « plusieurs » produit le meilleur. Le W de Women, femmes, dont la parole libérée, libératrice, radicale et politique, transforme en profondeur le XXIe siècle. Tandis que la fluidité des genres, la non binarité ouvrent des portes vers d’autres continents. Un double V de victoire ? De l’émerveillement (Wonder), en tout cas. Nous vivons une révolution anthropologique dans laquelle AWARE est un des personnages vivaces, vivants. Révolution dont le sujet est la parole, la visibilité. Ne pas être vue, pour une artiste, c’est une violence. Rendre visible, c’est rendre justice. Les Artistes femmes ont été présentes partout, elles ont composé, réalisé, écrit, et c’est porté par cette conviction que le projet d’AWARE s’est développé à la fois progressivement, de plus en plus international et chronologiquement large. Il s’est ouvert d’abord au XIXe, et maintenant au XVIIIe, pourquoi ne pas remonter aux origines? Il est limité, aujourd’hui, aux arts visuels, mais l’architecture, le cinéma, les arts appliqués, peut-on en rêver ? R comme Rêve. Car on continue à rêver. AWARE se définit d’abord comme un centre de recherche, un partage effectif de celui-ci en temps réel. Car trop de temps a été perdu à penser que les artistes femmes n’existaient pas, qu’il y en avait si peu. Aujourd’hui, leur masse critique invite à écrire une autre histoire, avec d’autres mots, d’autres mouvements, d’autres avant-gardes. E comme Étonnement, comme Énorme. S’adresser à tous les publics, y compris les non spécialistes, rester gratuit, c’est une gageure. Partager, transmettre, un objectif majeur et difficile. Exposition : sur le site d’AWARE, on les montre, ces œuvres, avec de nombreuses reproductions. L’équilibre entre texte et image, la présence du son, de l’animation, sont essentielles. » Camille Morineau, Directrice générale d'AWARE

The Moulin Rouge is located in the Pigalle area of the Montmartre district of Paris. The Moulin Rouge is not big from the outside, and the red windmill on the roof is his symbol, which is very conspicuous. Historical background The Moulin Rouge was founded in 1889. It is a historic show in Paris. Now it can accommodate more than 2,000 people and attract audiences from all over the world. In 2001, Nicole Kidman starred in "Moulin Rouge" to make it more famous. The exciting cabaret show Moulin Rouge is also known as the birthplace of modern cancan, which incorporates more acrobatic and athletic skills. Lively rhythm, kicking high thighs, amazing, slightly crazy. In addition, the sky show is also very attractive. The exquisite costumes of the dancers are tailor-made by Italian design masters. The stage design is quite elegant, and the scenes are varied. The dancers come from all over the world, and the performance level is very high. During the period, acrobatics and magic are interspersed. Waiting for the performance, amazing and exciting. Night performances The Moulin Rouge song and dance show usually starts at 7 pm, and there are two to three performances every night. The performance time is about 1 hour and 30 minutes. The performances including dinner are generally around 7 pm. Please refer to the official website for the specific time. When watching the performance, the Moulin Rouge does not allow coats and coats to be brought into the room, and coats must be stored before entering the venue

Dix années que l’association, co-fondée en 2014 par l’historienne de l’art Camille Morineau, travaille à rendre visibles les artistes femmes des XIXe et XXe siècles par différents moyens : un site Internet proposant plus de 1 100 textes biographiques gratuits et entièrement bilingues, rédigés par plus de 500 chercheur·euses, curateur·rices, historien·nes de l’art féministes, critiques d’art et activistes ; des colloques, tables-rondes et séminaires en partenariat avec différentes structures à l’international ; des publications régulières ; des prix récompensant des artistes femmes ; un centre de recherche et de documentation, mais aussi le développement de réseaux dans le monde entier. Cette année anniversaire sera rythmée au long de l’année par de nombreux événements en France et à l’étranger. « AWARE est un acronyme que j’ai envie, pour ce 10ème anniversaire, de décliner parfois autrement. A comme Archives. Celles qui m’avaient manquées lorsque, fin 2007, je commençais à travailler sur « elles@centrepompidou » ouvert en 2009 : les 300 artistes et 1 000 œuvres qui étaient dans les collections du MNAM étaient peu documentées. Il était difficile de montrer celles sur qui presque rien n’avait été écrit. Depuis, la visibilité des artistes femmes ne fait plus de doute et le cercle vicieux d’absence d’information est devenu vertueux avec le nombre d’expositions, de publications. Mais aussi A comme Anniversaire et le petit frisson de souffler tant de bougies - car comment aurais-je pu rêver que le projet, né en 2014, puisse durer et que l’utopie d’un outil à la fois utile et qui transforme, se transforme en réalité ? Plus de 1 000 biographies, plus de 100 000 connexions par mois ? AWARE reste unique au monde dans son ambition géographique et sa chronologie. On les soufflera à plusieurs, ces bougies. Une petite équipe parisienne si engagée, et ma grande équipe internationale qui l’est tout autant, se réjouiront de cet exploit. Une diversité de voix, un projet collectif et horizontal, où le « plusieurs » produit le meilleur. Le W de Women, femmes, dont la parole libérée, libératrice, radicale et politique, transforme en profondeur le XXIe siècle. Tandis que la fluidité des genres, la non binarité ouvrent des portes vers d’autres continents. Un double V de victoire ? De l’émerveillement (Wonder), en tout cas. Nous vivons une révolution anthropologique dans laquelle AWARE est un des personnages vivaces, vivants. Révolution dont le sujet est la parole, la visibilité. Ne pas être vue, pour une artiste, c’est une violence. Rendre visible, c’est rendre justice. Les Artistes femmes ont été présentes partout, elles ont composé, réalisé, écrit, et c’est porté par cette conviction que le projet d’AWARE s’est développé à la fois progressivement, de plus en plus international et chronologiquement large. Il s’est ouvert d’abord au XIXe, et maintenant au XVIIIe, pourquoi ne pas remonter aux origines? Il est limité, aujourd’hui, aux arts visuels, mais l’architecture, le cinéma, les arts appliqués, peut-on en rêver ? R comme Rêve. Car on continue à rêver. AWARE se définit d’abord comme un centre de recherche, un partage effectif de celui-ci en temps réel. Car trop de temps a été perdu à penser que les artistes femmes n’existaient pas, qu’il y en avait si peu. Aujourd’hui, leur masse critique invite à écrire une autre histoire, avec d’autres mots, d’autres mouvements, d’autres avant-gardes. E comme Étonnement, comme Énorme. S’adresser à tous les publics, y compris les non spécialistes, rester gratuit, c’est une gageure. Partager, transmettre, un objectif majeur et difficile. Exposition : sur le site d’AWARE, on les montre, ces œuvres, avec de nombreuses reproductions. L’équilibre entre texte et image, la présence du son, de l’animation, sont essentielles. » Camille Morineau, Directrice générale d'AWARE

celebrates the dynamic relationship between photography and the writing of Annie Ernaux. Winner of the Nobel Prize of Literature, Annie Ernaux is known for her social and feminist commitment, particularly to the younger generation, and for her ability to explore universal themes such as memory, identity and the human condition. Her precise style and emotional analysis have made her a major figure in contemporary literature. It combines texts from Ernaux’s book , 1993 – a record of happenings on trains, shops and streets in-and-around Cergy-Pontoise between 1985 and 1992 – with more than one hundred and fifty images from the MEP collection by major photographers such as Harry Callahan, Claude Dityvon, Dolorès Marat, Daido Moriyama, Janine Niepce, Issei Suda, Henry Wessel and Bernard Pierre Wolff, amongst others. The image selection covers the second half of 20th century and includes photographs mostly taken in France but also in England, Japan, USA and other countries. Photography has long been an interest of Annie Ernaux’s and references to childhood photographs appear across her work. In she takes a new approach, by directly attempting to write as if making images: “To describe reality as through the eyes of a photographer and to preserve the mystery and opacity of the lives I encountered.” The exhibition pays homage to Annie Ernaux's objective, by treating her words as photographs, displaying them on the walls of the museum. The diverse photographs that appear alongside her texts reveal a shared interest in the role of place and space in how modern life unfolds. Both images and texts unveil how ordinary and insignificant events we observe in the city reflects back at us broader societal inequalities and stereotypes. The exhibition is grouped around themes that underpin Ernaux’s observations – from the daily rituals of travel and consumption, to the performances of class and gender performance that underpin society’s hierarchies. Also considered are the feelings of fear and loneliness prevalent in the modern city, and the fine lines between what is public and private, shared and separate. The exhibition is the product of a residency conducted by the curator and writer Lou Stoppard in April 2022, which focused on using the MEP collection as a catalyst for new research and for linking photography to other mediums. To coincide with the exhibition, a catalogue will be published in French and in English by Éditions MACK in partnership with the MEP. Curator: Lou Stoppard Curator for the MEP: Victoria Aresheva

Tom Penn, son of Lisa Fonssagrives-Penn and Irving Penn, proposed this exhibition project to the MEP. He has generously donated part of this remarkable collection to the MEP. Lisa Fonssagrives-Penn (1911-1992), dancer, model, photographer, stylist and sculptor, is considered to be the first ‘supermodel’ in history. For 20 years, she was frequently featured in and , appearing on around 200 covers of the leading fashion magazines of her time. In 1949, at the age of 38, she was at the height of her career, and appeared on the cover of magazine. A much sought-after model, she collaborated with the greatest fashion photographers of the period: Fernand Fonssagrives, her first husband; Horst P. Horst, whose favourite model she was; George Hoyningen-Huene, George Platt Lynes, Erwin Blumenfeld, who famously photographed her hanging from the Eiffel Tower in a dress by Lucien Lelong; Louise Dahl- Wolfe, whose resolutely modern style suited Lisa perfectly; Irving Penn, whom she married in 1950, and who made her his partner in his greatest photographs, Richard Avedon, her friend Frances McLaughlin-Gill, the first woman photographer to be signed by ; and many others, including Kathryn Abbe, James Abbe Jr., Gene Fenn, Otto Fenn, Toni Frissell, Harold Halma, Genevieve Naylor, John Rawlings and Lillian Bassman. More than just a model, Lisa Fonssagrives-Penn contributed extensively to the creative process. Most of the photographs were taken in the studio and required long hours of preparation and a real connection between photographer and model.

Son titre, Small is “still” beautiful, est un clin d’œil à l’exposition inaugurale de la galerie présentée en mars 2021, intitulée Small is beautiful. Comme trois ans auparavant, Clavé Fine Art met à l’honneur le petit format dans toute sa grandeur, mais elle invite cette fois-ci des artistes contemporains à se prêter au jeu. Des œuvres inédites de Léo Nataf, Claudine Drai, Pauline Guerrier, Sacha Floch Poliakoff, Félix Beausoleil, François Réau et Virgile Belaval, tous exposés dans la galerie depuis sa création, côtoient ainsi pendant deux mois des pièces de petite taille d’artistes majeurs du XXe siècle tels que César Baldaccini, Antoni Clavé, Jean Dubuffet, Yves Klein, Germaine Richier, Pablo Picasso ou encore Zao Wou-Ki. En mars 2021, la galerie Clavé Fine Art ouvre ses portes au cœur du 14e arrondissement de Paris, nichée dans l’ancien atelier de César redessiné par l’architecte japonais Kengo Kuma. Durant ces trois années, des œuvres de maîtres modernes et celles d’artistes contemporains ont tour à tour dialogué à leur manière avec le volume et la lumière qui émanent de l’intérieur de la galerie et le délicat washi de Kengo Kuma qui en recouvre ses murs. Du 11 mars au 11 mai 2021, la galerie inaugure son espace avec l’exposition Small is beautiful, présentant un ensemble de 16 œuvres de petits formats d’Alexander Calder, César, Eduardo Chillida, Antoni Clavé, Jean Dubuffet, Yves Klein, Roberto Matta, Joan Miró, Zoran Music, Germaine Richier, Pierre Soulages et Antoni Tàpies. Le principe est de ne présenter que des pièces de petite taille, comme l’eut fait Ernst Beyeler, qui par trois fois (en 1954-55, 1967-68 et 1978) organisa des expositions de petits formats, présentant des oeuvres « aussi grandes qu’il le faut, et pas plus ». En mars 2024, à l’aune de son troisième anniversaire, Clavé Fine Art organise une exposition clin d’œil à son inauguration et invite tous les artistes contemporains qui ont exposé depuis 2021 dans la galerie à créer pour l’occasion des œuvres de petite taille. Elle présente ainsi les créations immaculées en papier mâché de Claudine Drai, les céramiques telluriques de Léo Nataf, des tissages de la série des Minimes de Sheila Hicks et les créations à la mine de plomb ou en bronze de François Réau, aux côtés de l’univers pop de Sacha Floch Poliakoff, des créations colorées de Félix Beausoleil et Virgile Belaval et du travail inspiré des savoir-faire traditionnels et techniques ancestrales de Pauline Guerrier. L’accrochage mêle ces productions inédites à de petites œuvres d’artistes majeurs du XXe siècle, tels que César Baldaccini, Antoni Clavé, Jean Dubuffet, Yves Klein, Giorgio Morandi, Claude de Soria, Jean Paul Riopelle, Pablo Picasso ou encore Zao Wou-Ki. Ce sont ainsi autant d’artistes, de techniques et de matières différents qui sont réunis chez Clavé Fine Art, avec un point commun : le dévoilement de la splendeur du petit format, sous toutes ses formes.

In the early 1990s, while studying at the famous Sir J.J. School of Art in Mumbai, Atul Dodiya spent a year at the Paris École des Beaux Arts. The experience proved decisive in the career of an artist who has been building bridges between the history of Indian and Western art ever since. Passionate about literature and film, he uses a unique language, fluctuating between the figurative and the abstract, where he incorporates references to popular culture, poetry and modern art masters, from Matisse to Motherwell, Picabia to Mondrian. Atul Dodiya possesses an astonishing capacity to reinvent himself and his style, equally happy to draw on photorealism or symbolism. He paints on metal roller shutters, creates photographic assemblages and devises largescale installations combining object and painting. Embedded in his works is a reflection on the history of India and emergence of new political aspirations. The exhibition’s entry point is the Mumbai movie world of the 1960s that marked the artist’s childhood. The title “I know you. I do. O’ stranger” is inspired by the film Charulata (1964) by Satyajit Ray. The deceptively ordinary chosen scenes are the fruit of complex compositions where the actor’s fame takes a back seat to anonymity. “A recurring theme in my cinematographic stories,” explains the artist, “the characters encounter each other just like strangers.” Liberated from all narrative context, their mysterious beauty is revealed, leaving the viewer free to interpret their meaning. In the manner of a filmmaker, Atul Dodiya directs our gaze through space, from one canvas to the next. Certain fragments of a roll of film seemingly pay tribute to the technical feats of cinema. Others highlight the emergence of a new consumer society, with hand-crafted movie sets becoming, in the artist’s hands, some sophisticated furnishings and interiors. The outward appearance of an economy of means conceals a demanding and meticulous painting technique. Atul Dodiya transforms freeze frame photographs in a preliminary monochrome print. Projected onto the canvas, he goes over the scene in black and white until chiaroscuro transcends movement. He completes the image’s metamorphosis by covering it in translucent oil paint, swapping the vibrant palette favoured by Bollywood films for a pastel, almost ephemeral, colour range. This transformation of the image as it is filmed, photographed, illuminated and colourised becomes a metaphor for the impact of modernity and globalisation on perception and traditions. “In this very personal selection of moments frozen in time,” he continues, “the unreal becomes a new story, another truth.” Atul Dodiya was born in 1959 in Mumbai where he lives and works. His work features in the collections of a host of international museums, including the Mnam-Centre Pompidou in Paris, Tate Modern in London and Philadelphia Museum of Art. He has taken part in most major exhibitions of Indian art held in the USA, Europe and Asia over the last twenty years: Atul Dodiya, Detroit Institute of Arts Museum, Detroit, USA (2020), After Midnight: Indian Modernism to Contemporary India at Queens Museum in New York (2015), India: Art Now at the ARKEN Museum of Modern Art in Denmark (2012), La Route de la soie at Tri Postal in Lille and Paris Delhi Bombay at the Centre Pompidou (2011), Inside India at Palazzo Saluzzo Paesana Turin and The Empire Strikes Back at the Saatchi Gallery in London (2010), and Indian Summer at the École des Beaux Arts in Paris (2000). He also participated in Documenta 12 in Kassel (curated by Roger Buergel) in 2007, the Gwangju Biennale (curated by Okwui Enwezor) in 2008, Moscow Biennale (curated by Jean-Hubert Martin) in 2009, Kochi-Muziris Biennale in 2012, and 7th Asia Pacific Triennial of Contemporary Art (APT7) in Brisbane in 2012. In 2013, the National Gallery of Modern Art in New Delhi organised the first retrospective of his work in India (curated by Ranjit Hoskote). In 2014, Bhau Daji Lad in Mumbai paid tribute to his work with a major exhibition: 7000 Museums. In 2019, he was among the artists showcased at India’s Venice Biennale participation, with a largescale installation dedicated to Gandhi. This is the fourth exhibition of Atul Dodiya’s work at Galerie Templon.

Artists whose work, unique and profound, made by and for human beings, is fundamentally visionary and inherently valuable. At a time when we are facing fundamental questions for the future of humanity, including Artificial Intelligence with all its advantages and dangers, global warming and the urbanization of cities transformed into megacities, the gallery is more than ever committed to defending artists who propose a world based on notions of sustainable development, balance and peace, combining in their works past, present and future visions, a world that embodies the major challenges of the 21st century. The cycle of exhibitions entitled , inaugurated in February 2023 with the exhibition by Dani Karavan and Jean-Paul Philippe, continued in mid-September 2023 with by Antoine Grumbach, and closes with the exhibition by Susumu Shingu, sculptor of water and wind with whom the gallery has been collaborating since 2006, who created a Wind Museum in Japan and recently exhibited at the Château de Chambord to celebrate the 500th anniversary of Leonardo da Vinci’s death. Susumu Shingu has exhibited recently with Renzo Piano at the Nakanoshima Art Museum in Osaka, Japan, entitled ( July- September 2023); they have completed over a dozen projects together. The exhibition also provided an opportunity to delve deeper into Susumu Shingu’s research into perpetual movement based on the natural energies that drive his sculpture, with drawings, paintings, sculptures and models of his major projects.

Mesoamerica is a personal reflection inspired by Daniel Dezeuze's travels to Mexico and local Maya architecture. Daniel Dezeuze visited Mexico for the first time in the mid-1960s. The year he spent there proved to be a lasting influence. His latest works, wall assemblages made using offcuts of painted wood, hark back to the pivotal experience in the jungle, home to long-gone civilisations. The ground floor of the exhibition features a "negotiating table" surrounded by an installation of "weapons" and "shields", evoking the tensions between nature and culture, indigenous people and colonisers. The simplicity of the artist's chosen materials - wood, mesh and corks - and the delicacy of the way he combines them offer a disturbing exploration of the frontiers between art and crafts, the untouched and the policed, as well as the fragility of civilisations and modernity. In contrast, the gallery basement is inhabited by a collection of drawings Daniel Dezeuze has put together, a jungle of flowers, insects, mosquitoes and snails. Bordering on the abstract, the series of pieces depicts fragile yet untameable nature, illustrating the artist's obsession with "capturing the uncapturable”. Daniel Dezeuze has spent almost fifty years deconstructing the notion of painting, exploring its traditional techniques and materials in a quest to delve into the role, history and practice of painting. The impulse to spurn the canvas began very early on his career: he flipped stretchers against the wall, playing with empty spaces and three-dimensionality to push the boundaries of artistic traditions. His work is steeped in craftwork practices and anthropology, reflecting his interest in nomadic and non-European cultures. His remarkable journey has led him to experiment with what are seen as “poor”materials—wood, gauze, net and fabric, as well as subverted objects. His oeuvre has heavily influenced new generations of European artists, and features in numerous public collections, including at the Centre Pompidou, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Musée Fabre in Montpellier, Carré d’Art in Nîmes and Musée d’Art Contemporain (MAC) in Marseille. Born in 1942 in Alès, Daniel Dezeuze lives and works in the southern French port town of Sète. His work has been widely exhibited since the 1970s in France and internationally. The Musée de Grenoble held a retrospective of his art in 2017 while the FRAC Occitanie in Montpellier held an exhibition of his drawings in 2015. MAMAC in Nice (2012), Centrale Electrique in Brussels (2009) and the Musée Fabre in Montpellier (2009) have also shown his work. In 2008, he exhibited his entire oeuvre at the Musée Paul Valéry in Sète.

Marshaling a dizzying variety of materials and methods both established and unconventional, Fischer explores themes of perception and representation, distorting scale and reimagining common objects and images through technological intervention. By evoking and reworking historical genres and motifs, he embraces transformation and decay, producing art that inhabits a space between the real and the imagined. The series represents a conscious flattening out and forcing together of disparate categories and associations, calling the status and relationship of each image’s components into question. While earlier foreground food and manufactured objects, the paintings on view in Paris feature enlarged vintage publicity headshots of popular film actors Jeanne Moreau, Romy Schneider, and Gene Tierney, partially obscured by silkscreened images of flowers. The subjects’ eyes gleam with mystery, while the vibrant colors of the blooms reflect the women’s enigmatic hidden depths. Fischer’s witty clash of images summons the romantic and sexual associations of flowers while hinting at the ephemeral character of glamour and fame; it also evokes the mustache that Marcel Duchamp penciled onto a postcard reproduction of the in or (1919). The tense face-off between obfuscation and potential enacted by the works on view gives rise to the formal “problems” referenced in their collective title, while the masking of their subjects’ facial features hints at psychic and conceptual erasure. The blooms evoke floriography (the use of flowers as a coded poetic language), their pink, white, and blue colors echoing the symbolic colors of the . And while their large scale suggests power and strength, they also serve as a metaphor for the women’s emergence into the sometimes harsh light of fame.

His pictures, often taken in his time off while working on films, many directed by Wim Wenders and Jim Jarmusch between the early 1970s and the late 1990s, were, at first, not intended to be displayed. These intimate, personal snapshots, captured in moments of solitude, contextualize the world through his eyes. As a cinematographer, Müller chose to work with film directors who had something to say about life; his Polaroids bear witness to his humble and poetic outlook on life. The original Polaroids and prints on display show an amalgamation of cinematic still lifes, landscapes, cityscapes as well as interior views, mainly shot in different cities in the United States. From neon signage on a motel in Santa Fe, street lamps in Los Angeles, the play of shadows on a wall in Memphis to the illuminated Eiffel Tower in Paris, these eclectic images interpret varying degrees of luminosity. In an essay written about his Polaroids, Bianca Stigter notes: “Robby Müller is often compared to Vermeer, because they are both Dutch and because they both handle light in a reverent way. They do not use light to convey a scene; they use a scene to convey the light. Light is not what makes things visible; things are what makes light visible. The Polaroids, especially as seen in series, are preoccupied with light, how it shines through a curtain or a shirt, how daylight gives over to artificial light, how light can have color and give color, how different light sources compete and fade.” While working on long-feature films, Müller spent months on the road, sleeping in hotel rooms where he observed reflections on mirrors, windows or TV screens, noticing the particularities of light cast from a table lamp, and discerning the sun’s rays descending on a coffee maker or piercing through shutters. As Bianca Stigter tells it: “It is possible to see a picture of a hotel room and not think of hotel rooms, especially if that picture is taken by Robby Müller, cinematographer extraordinaire, who manages to do away with the useful categories children spend a lifetime learning only later to find solace when they do not apply, to see walls and faces just as things for the light to play upon. Sartre’s protagonist in Nausea felt disgust confronted by familiar things he suddenly could not name, but in the works of Robby Müller it becomes a liberation. There is freedom in this ignorance, like a precious gift; in a world where everything is weighed down by meaning the sudden absence is strange and exhilarating.” Robby Müller (Curaçao, 1940 – Amsterdam, 2018) was a cinematographer and a photographer. Throughout his fifty-year long artistic career as a cinematographer, Müller collaborated with the most talented and renowned film directors such as Wim Wenders, Jim Jarmusch, Barbet Schroeder, Andrzej Wajda, Lars von Trier and Raoul Ruiz. The more than 60 feature films he worked on include: (1977) and (1984) by Wim Wenders; (1986), (1989) and (1999) by Jim Jarmusch; (1996) and (2000) by Lars von Trier. In 2002 he also filmed (2002) in collaboration with his long-time friend Steve McQueen on the Caribbean island of Grenada; Müller’s luminous footage subsequently also became a central part of McQueen’s (2002-2015). Robby Müller’s extensive archive of Polaroid photographs have been shown in several exhibitions since 2016: in the retrospective , at the EYE Filmmuseum, Amsterdam (2016) and at the Deutsche Kinemathek in Berlin (2017); , curated by Andrea Müller-Schirmer, in Arles (2019), at the International Film Festival of Rotterdam (2020). In remembrance of Robby Müller, the Netherlands Society of Cinematographers, the International Film Festival Rotterdam, and Andrea Müller-Schirmer established the annual Robby Müller Award in 2020. The exhibition has been organized in collaboration with Andrea Müller-Schirmer, founder of the Robby Müller Archive, and Annet Gelink Gallery.

Often using reminiscence and memory as a vehicle for inspiration, Messager's wide range of hybrid forms has had an affinity with traditions as varied as the romantic, the grotesque, the absurd, the phantasmagoric. Through an embrace of everyday materials, and principles of assemblage, collection and theatrical display, her diverse media has included construction, documents, language, objects, taxidermy, drawings, photographs, fabric, embroidery, image collections, albums, sculpture and installation. Messager has explored fairy tales, mythology and doppelgangers throughout her œuvre. Often using reminiscence and memory as a vehicle for inspiration.