Featured Events in Paris in March, 2024 (June Updated)

Experience an immersive theatrical performance at the heart of history in Paris on March 27, 2024. Witness the exceptional show "Jouer l'archive, octobre-décembre 1940" at Fondation Maison des sciences de l'homme (FMSH) as Théâtre Variable n°2 transports you to Vichy in December 1940. Delve into the discussions surrounding the implementation of the "Law of October 3, 1940 on the status of Jews," where high-ranking officials debated the fate of those deemed Jewish. This unique project, born from a collaboration between prestigious academic institutions and historians, aims to merge historical research with creative expression. Be part of this award-winning initiative supported by esteemed organizations. Limited seats available, so kindly cancel your reservation if unable to attend. Your privacy is respected, and any data processing strictly adheres to our Privacy Policy. By attending, you consent to potential photographic and video coverage for future use by FMSH. Don't miss this unforgettable journey through a pivotal moment in history.

Witness a captivating evening of stand-up comedy at La Pomme d'Eve in Paris on March 28th with Mehdi Walker's "Work in Progress". Mehdi, a talented Algerian comedian based in France, delves into a myriad of topics ranging from French culture to geopolitics, all with a humorous twist. Having honed his craft since 2019, Mehdi has graced stages across France and Europe, enthralling audiences with his unique storytelling and sharp wit. This event promises an hour of both tried-and-tested and fresh material, offering a glimpse into Mehdi's comedic prowess. From navigating French bureaucracy to unraveling the secrets of Algerian cuisine, Mehdi's performance guarantees an unforgettable night of laughter. Embrace this opportunity to enjoy an evening of entertainment, culminating in a hat-pass at the end of the show. Best of all, admission to this comedic extravaganza is entirely free of charge.

Experience the enchanting performance of viola da gamba music at the event "Tous les matins du monde sont sans retour" in Paris. Taking place at the Patronage laïque Jules Vallès on 72 Avenue Félix Faure, 75015 Paris, on March 29, 2024, this concert will feature a repertoire of works by Marin Marais and Sieur de Sainte-Colombe, famously featured in the film "Tous les matins du monde" by Alain Corneau. Renowned musicians Jonathan Dunford and Jérôme Chaboseau will showcase their mastery of the viola da gamba. Admission to this exquisite event is free of charge. To secure your spot, reservations are required, and payment can be made on-site via cash or check. Don't miss this unique opportunity to immerse yourself in the timeless beauty of Baroque music.

Experience the ultimate fusion of Afrobeat and Shatta vibes at the highly-anticipated event, Shatta + Afrobeat Duo! Taking place in Paris at the renowned venue, 911 Paris, located at 18 Rue Paul Klee, 75013 Paris, this exceptional musical encounter will unfold from March 29 to March 30, 2024. Admission to this spectacular event is completely free, offering a unique opportunity to immerse yourself in the rhythmic melodies of the evening. For added convenience and comfort, the premium Cheech service is available to enhance your experience. Indulge in refreshing mint, Love 66, or the tropical Hawaï cocktail as you relax and unwind in a vibrant atmosphere. This unforgettable evening promises a Caribbean and tropical night like no other, ensuring a memorable #911xperience in Paris. Please note that gentlemen are required to be accompanied by a partner to access special offers and rates, with equal representation. Group and couple reservations must be made collectively and with specific names to qualify for the exclusive offers. Strictly no entry for minors - a physical ID card is mandatory for entry and throughout the event. Ensure all group members arrive together for table reservations before midnight, as late arrivals may result in cancellation without refunds. Secure your table or place on the guest list by calling 06-30-83-62-92 // 07-85-16-32-12.

Experience a delightful all-English stand-up evening at Café Oscar! The Oscar Comedy Club in English showcases top-notch English-speaking stand-up comedians in the heart of Paris. Step into the enchanting world of comedy at one of Paris' most iconic comedy venues. Nestled in a private courtyard since 1933, Café Oscar stands as one of the oldest comedy clubs in the city. Immerse yourself in laughter for an hour at Café Oscar and relish a beverage at the bar within its exquisite rococo-themed setting. Hosted by Joëlle Gewolb, this event promises a memorable evening filled with humor and entertainment. Admission is free, with a mandatory beverage purchase. Support the artists by participating freely at the end of the show. Payment can be made by checks or cash, as credit cards are not accepted. The event commences 15 to 30 minutes after the announced time, with accessibility for individuals with reduced mobility. Please note that the show is not recommended for children under 12. Don't miss this opportunity to indulge in comedy at the Oscar Comedy Club - in English, located at 155 Rue Montmartre, 75002 Paris, on March 29, 2024. Admission is Gratuit.

Experience the exceptional piano recital by Hugo Martin, showcasing the sensitive pieces of two renowned composers, Ravel and Scriabin. Having earned his Diploma with Highest Honors from CRR de Toulouse, Hugo Martin delved into chamber music, accompaniment, and orchestral direction with fervor. Furthering his studies in Russia at the prestigious Tchaikovsky Conservatory in Moscow under the tutelage of Mikhail Voskressensky, he secured a scholarship. Immersed in the genius of Prokofiev, Shostakovich, and Scriabin, Hugo Martin's talent shone early on, winning the 1st prize at the International Scriabin Piano Competition in Paris. Embracing chamber music alongside solo repertoire, Hugo is an active member of the Egon trio, advocating classical music to younger audiences through performances and lectures. His musical curiosity extends beyond solo piano, encompassing chamber and vocal repertoire. Don't miss the enchanting program featuring Ravel's "Miroirs" and Scriabin's mesmerizing compositions at the upcoming piano recital in Paris at the Conservatoire Serge Rachmaninoff. Save the date for March 29, 2024, and secure your tickets priced between 11,85 € and 22,51 €.

Discover the upcoming Workshop de danse Heels with Stessy Emelie in Paris. Taking place on Saturday, March 30th from 2:30 pm to 4:30 pm at La Montgolfière, this two-hour session led by professional dancer and performer Stessy will introduce participants to the art of dancing in Heels, suitable for all levels. The workshop will feature a complete warm-up, heel walking exercises, and a choreography to unleash and embrace your sensual energy in a safe environment. Enhance your confidence in your sensuality through the use of specific tools provided during the workshop. Tickets for this exciting event will be available for purchase starting on March 15th, 2024, at 6:30 pm. Don't miss this unique opportunity to explore the world of dance in Heels and elevate your self-assurance through movement and expression.

Get ready to experience the ultimate physical challenge at Crush Challenge ! in the heart of Paris. This adrenaline-pumping event will take place at 911 Paris, located at 18 Rue Paul Klee, 75013 Paris. From March 30 to March 31, 2024, participants will push their limits and test their strength in a series of intense activities. The best part? Admission is completely free! Whether you're a fitness enthusiast looking for a new challenge or simply curious to witness the excitement, Crush Challenge ! promises to deliver an unforgettable experience. So mark your calendars and get ready to crush it at this one-of-a-kind event in Paris. Don't miss out on this opportunity to join in the fun and show off your skills. See you at Crush Challenge !

Experience the mesmerizing allure of Paris through 'Mentalism à la Parisienne' at La Comédie Italienne. Renowned mentalist and actor Fabrice Ferra crafts a captivating evening where the extraordinary unfolds before your eyes. Embark on a journey delving into the enigmatic secrets of Paris as Fabrice seamlessly blends mind-reading marvels and theatrical performances with the city's innate charm. Immerse yourself in this unique English-language show that promises a night of intrigue and awe. Whether you are a local resident or a global traveler, 'Mentalism à la Parisienne' provides a one-of-a-kind opportunity to lose yourself in the magic of Paris. Prepare to be spellbound as Fabrice leads you through a world where the impossible transforms into reality, each moment brimming with wonder. Don't miss the chance to be enchanted by 'Mentalism à la Parisienne' at 17 Rue de la Gaité, 75014 Paris, on March 30, 2024, for the price of €31.04. Unveil the enchanting spirit of Paris with this unforgettable evening. Book now and receive a 10% discount with the code: Mental10, courtesy of Paris Je t'aime official partners 2024.

Learn the art of dyeing wool fabric in this beginner class led by rug hooker and teacher Elizabeth Miller. Explore the techniques of pot dyeing, microwave dyeing, and casserole dyeing to create your own unique hand-dyed fabrics. Participants will walk away with a full yard of beautiful hand-dyed wool fabric, along with a helpful printed booklet for future reference. As an added bonus, each attendee will receive a skein of Briggs & Little wool yarn for dyeing. All materials will be provided, and refreshments will be available during the class. Feel free to bring a bag lunch to enjoy as well. Join Elizabeth Miller at Parris House Wool Works in Paris on March 30, 2024, for this enriching experience. Secure your spot for this exciting class at the price of $95.

Experience the vibrant Festival de danse Konpa at the Paris Konpa Festival, presented by Afro Caribbean Nation. This unique event spans two days, allowing for 22 hours of dance while still respecting your sleep schedule. Whether you're a beginner or a seasoned party-goer seeking new festive vibes, this festival is for you. On Sunday, March 31st, enjoy Semba, Konpa, and Gouyad dance workshops, followed by social dancing sessions until 11:00 PM. Then, continue the fun on Monday, April 1st, with Ladystyling, Semba, and Gouyad workshops, leading into more social dancing until late. Prices start at 65,14 € for a full day of workshops and dancing, with options for a two-day pass available. The festival takes place at La Maison de la Conversation, located at 12 Rue Maurice Grimaud, 75018 Paris. Accessible via public transport, the venue is near the Porte de Clignacourt metro station in Paris 18. For more information or to secure your spot, contact 0651967351. Join the Paris Konpa Festival for an unforgettable dance experience in the heart of the city.

Metamorphoses offers children a chance to explore various metamorphoses – natural, amazing and also personal – by bringing together science and imagination. It also introduces the basis of a scientific approach by encouraging children of all ages to observe, be amazed and question – whilst stimulating their imagination. Whether they are the sources of fascination or apprehension, metamorphoses open up new possibilities.

Scénographié au sein d’un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : l’ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel depuis mai 2023, dédiée à l’art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d’artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde. Le 110 Honoré, lieu pluridisciplinaire unique à Paris Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d’une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d’un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d’un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d’une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L’ouverture de l’ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023. Déjà ouverte à l’heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l’équilibre alimentaire de chacun, promesse d’une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai. « La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s’installer durablement à Paris s’inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel. La galerie 110 Véronique Rieffel, au cœur du 110 Honoré Initialement créée en Côte d’Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l’art et qui s’engage aux côtés d’artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s’affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent. Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu’elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l’international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d’un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. Parallèlement à la programmation au sein de la galerie, sera lancée une collection de livres d’art en lien avec les artistes représentés par Véronique Rieffel. Makenzy Orcel, l’un des écrivains les plus talentueux de la littérature contemporaine sera le premier invité à poser son regard sur Clay Apenouvon. Pour son exposition inaugurale, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente l’œuvre de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. L'exposition inauguraleClay Apenouvon, « NOIRTOTAL »12 mai - 30 juillet 2023 Pour son ouverture, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente « NOIRTOTAL », une exposition personnelle de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. Cette exposition rassemblera à la fois des pièces iconiques d’une œuvre construite depuis plusieurs années autour de ses deux matériaux de prédilection : le film plastique noir et la couverture de survie à la symbolique à la fois politique et écologique. Celui que l’on appelle le « Soulages ou le Christo africain », présentera également des œuvres inédites, entre abstraction et figuration, explorant la métaphore de l’artiste boxeur inspirée par la figure légendaire de Mohamed Ali. Clay Apenouvon est né en 1970 à Lomé au Togo. Enfant, il entretient une relation conflictuelle avec l’institution scolaire. Loin des contraintes imposées par le cadre de l’école, il construit, crée et invente. Ainsi dès le plus jeune âge, c’est dans la créativité que l’artiste trouve la source de son épanouissement. Fasciné par le pouvoir que l’image peut exercer sur l’humain et maîtrisant les techniques de la peinture et du dessin, il affirme sa volonté de donner à sa création une portée plus grande et de s’accomplir en tant qu’artiste.

Ce dispositif pédagogique d’envergure s’adresse aux étudiantes et étudiants formés à l’École des Arts Décoratifs, ainsi qu’aux élèves de La Renverse, programme dédié aux talents éloignés des cursus académiques classiques. Le NID s’organisera en deux volets complémentaires : renforcer la place et la pratique du dessin dans l’enseignement dès la première année d’intégration à l’École et déclencher des vocations autour du dessin. Cette Chaire déploiera chaque année un cycle de découverte et de création à Paris et hors-les-murs, des bourses d’études et de production du projet diplômant, ainsi qu’un programme de mentorat professionnalisant. La coordination scientifique et artistique sera assurée par Alexandra Fau, commissaire d’exposition indépendante, critique d’art et enseignante en histoire de l’art. « Plus de 250 ans après la création de l’École des Arts Décoratifs comme école de dessin gratuite, le NID, Chaire des Nouveaux Imaginaires du Dessin, a pour vocation de consolider et de développer cette pratique fondatrice au sein de la pédagogie. Grâce au mécénat de la maison Hermès, avec laquelle nous partageons des valeurs de transmission et de savoir-faire, nous avons les moyens de mettre en œuvre un ambitieux programme éducatif, qui viendra aussi en appui d’une politique d’ouverture sociale, avec un important volet de bourses. Catalyseur d’une pédagogie augmentée et de soutiens transformateurs dans le champ du dessin, le NID est pensé pour les étudiantes et étudiants comme un foyer incubateur d’expression à venir pour un monde en transition.» - Emmanuel Tibloux, directeur de l’École des Arts Décoratifs « Dessiner, c'est panser » : Une première année sous le signe du soin « Dès la rentrée de septembre 2023, l’École inaugure un nouveau chapitre de sa relation historique au dessin, en lançant grâce au mécénat de la maison Hermès, le NID, Chaire des Nouveaux Imaginaires du Dessin, dont le nom suggère à la fois un refuge et de multiples échappées. Cette première année est placée sous le signe de l’empathie et de l’attention à l’Autre. Comment le dessin est-il en mesure de panser les plaies, de proposer une réécriture de soi, de se réconcilier avec l’histoire ou encore de restaurer une médiation (réparer le lien de l’homme à la nature) ? Ce nouvel élan pédagogique conforte l’importance d’un médium léger, agile et libre, capable d’accompagner les pensées vagabondes, les expérimentations ou les aspects plus techniques. Dès la première année, les étudiant·es pourront se saisir de ce formidable outil de connaissance et d’émancipation qui innerve tous les champs de la création. Ils seront encouragés à remplir des carnets d’annotations de « pensées plumes » et à développer de nombreuses applications. La Chaire mobilise les talents des enseignant·es de l’École, et d’un grand nombre de créateurs et professionnels invités, venus investir toutes les potentialités d’un médium qui, par ses multiples approches, permet d’accompagner le décloisonnement que notre époque appelle. Le NID redonne aussi au dessin une valeur d’usage qu’il a perdue ces dernières années, avec la célébration de son autonomie par le milieu de l’art contemporain. Son histoire liée à une utilité sociale ou technique ouvre un autre pan de l’histoire visuelle avec quelques points aveugles qui restent à explorer. » - Alexandra Fau, Coordinatrice scientifique du NID, Chaire des Nouveaux Imaginaires du Dessin Un dispositif d'envergure Provoquer les vocations, marquer les parcours créatifs Les 80 nouveaux étudiant·es de 1ère année de l’École des Arts Décoratifs Ce dispositif pédagogique d’envergure s’adresse aux 80 nouveaux étudiantes et étudiants de l’École des Arts Décoratifs, qui rejoignent l'École pour leur première année. Un ambitieux workshop et un voyage d’étude leur sont proposés dès le premier mois de la rentrée. Au programme de ces 3 semaines fédérant la nouvelle génération d’étudiant·es entrante : 1 semaine d’apprentissages et conférences, 1 semaine de voyage d’étude et création, 1 semaine de mise en scène de leurs dessins en vue de l’exposition finale du workshop. Le voyage d'étude, qui se déroulera du 18 au 21 septembre, permettra aux étudiant·es de s'imprégner des territoires oubliés du Nord de la France, des archives historiques de métiers particulièrement pénibles (avec le centre historique minier), de découvrir la Villa Cavrois, les collections du Louvre Lens, du Cateau-Cambresis ou de Valenciennes, du Frac Picardie... Tout au long de l’année, les étudiant·es profiteront par ailleurs de 4 nouveaux programmes d’enseignement et d’apprentissage du dessin et bénéficieront de l’expertise d’un nouvel enseignant en dessin à l’année, comme de plus de 30 artistes invités au long de l’année. 15 jeunes talents de La Renverse Le NID s’adresse aussi aux élèves de La Renverse, programme dédié aux talents éloignés des cursus académiques classiques. Imaginée par les Ateliers Médicis et l'École des Arts Décoratifs, La Renverse est une formation artistique d’une année qui s’adresse à des jeunes créatif·ves âgé·es de 18 à 25 ans, issu·es de Seine-Saint-Denis ou des départements limitrophes, passionné·es par la création, en particulier par la photo, la vidéo, la mode, le dessin ou encore le design. Deux semaines de workshop seront dédiées, grâce au NID, au medium dessin. La première semaine leur offrira une formation aux fondamentaux du dessin contemporain (morphologie, typographie, architecture, mode) avec des artistes spécialisés. La deuxième semaine leur permettra d'élaborer collectivement une œuvre en grand format dont l'exposition-restitution aura lieu aux Magasins Généraux à Pantin. Soutenir et accompagner les nouveaux talents À partir de la deuxième année sont également sont également mis en place d'importants dispositifs de soutien : 3 nouvelles bourses au mérite par an, de 4 000 euros chacune, pour 12 jeunes talents du dessin soutenus sur critères sociaux tout au long de leur scolarité avec un 1 mentorat professionnalisant ; 3 bourses d’excellence par an, de 1 000 euros chacune, pour 9 projets de diplômes incarnant le renouveau du dessin, soutenus par le NID.

En 2024, pour la 8e édition des prix AWARE, deux prix seront attribués : le prix Nouveau Regard, récompensant une artiste en milieu decarrière et le prix d’honneur, attribué à une artiste justifiant de plus de 40 ans decarrière. À nouveau cette année, quatre rapporteur·euse·s – professionnel·le·sengagé·e·s du monde de la culture – présélectionneront chacun·e un duo d’artistes, nommées respectivement au prix Nouveau Regard et au prix d’honneur, et présenteront et défendront leur travail devant un jury composé de sept figures majeures du monde de la culture. Les quatre rapporteur·euse·spour l’édition 2024 sont Simona Dvorák, Antoine Idier, Noelia Portela et Olivier Zeitoun. Simona Dvorák Simona Dvorák est curatrice et historienne de l’art basée à Paris. Elle s’intéresseà des pratiques performatives, sonores, radiophoniques et vidéo, en mettanten valeur un travail collectif à long terme. En tant que curatrice au sein de l’Initiative for Practices and Visions of Radical Care, elle étudie la manière dont nous pouvons créer des espaces communs et solidaires dans la sphère culturelle. Son travail souligne l’importance des « processus d’exposition » qui anticipent les futurs possibles : antisexistes, antiracistes, inclusifs. Plus récemment, elle a été boursière du programme Art et éducation à la documenta fifteen à Kasselet a collaboré sur la conception du programme public Walking with Water, imaginé en relation avec le pavillon serbe de la 59e Biennale de Venise. Elle a été également chargée de programmation au Centre Pompidou à Paris ouelle a notamment travaillé sur le programme Cultures d’avenir. Actuellement, Dvorák est curatrice invitée, avec Tadeo Kohan, pour le programme « actes delangage » à la Maison populaire de Montreuil. Parallèlement, elle développe un projet de recherche sur la politique des archives au Rockbund Art Museum, Shanghai, en collaboration avec Merv Espina. Antoine Idier Antoine Idier est maître de conférences en science politique à Sciences Po Saint-Germain-en-Laye, où il coordonne les enseignements « Art & culture » et dirige le Master Politiques de création. Il a publié de nombreux ouvrages, dont Les Vies de GuyHocquenghem. Politique, sexualité, culture(Fayard, 2017), Archives des mouvements LGBT+ (Textuel, 2018), Pureté etimpureté de l’art. Michel Journiac et le Sida (Sombres torrents, 2020) ou encore Résistances Queer. Une histoire des cultures LGBTQI+(avec Pochep, Delcourt/La Découverte, 2023). Il a édité des écrits de Guy Hocquenghem (Un journal de rêve, Verticales, 2017) et de yann beauvais (Agir le cinéma, Presses du réel, 2021). En 2022-2023, il a été commissaire de l’exposition Dans les marges. Trente ans du fonds Michel Chomarat à la bibliothèque de Lyon. Pour un projet en cours d’écriture, il a également reçu une bourse de recherche de la fondation Robert Rauschenberg. Noelia Portela Noelia Portela est commissaire d’exposition indépendante et coordinatrice de projets culturels basée à Paris. Noelia Portela est diplômée de l’école d’Architecture et de Design de l’université Victoria de Wellington en Nouvelle-Zélande. En 2017, elle fonde Persona Curada, un projet curatorial itinérant et expérimental à but non lucratif qui vise à promouvoir l’art contemporain latino-américain, mis en perspective avec la scène artistique française. Avec Persona Curada, elle organise des expositions, des projections, des performances et des débats en collaboration avec des institutions et des espaces d’art contemporain. Ses textes ont été publiés dans des revues comme Artishock Magazine (Chile), Relieve Contemporaneo (Argentina) et Obra Latinoamericana (Suisse). Olivier Zeitoun Olivier Zeitoun est attaché de conservation au département Design et Prospective industrielle du Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, à Paris. Diplômé en philosophie, histoire de l’art et en sciences sociales, il est l’auteur de nombreux articles et essais sur les enjeux liés aux champs du numérique et du vivant, dans l’art et le design. Il a été co-commissaire des expositions « La Fabrique du Vivant » (Centre Pompidou, 2019), « Réseaux-Mondes » (Centre Pompidou, 2022), « Mimésis, un design vivant » (Centre Pompidou-Metz, 2022), avec Marie-Ange Brayer, et a co-dirigé les catalogues les accompagnant. Il poursuit ses activités de commissariat, d’enseignement, de recherche et de publications en tant que commissaire et critique indépendant. Il ouvrira prochainement au Huidenclub, à Rotterdam, avec Léo Orta, l’exposition « Design Sediments ».

celebrates the dynamic relationship between photography and the writing of Annie Ernaux. Winner of the Nobel Prize of Literature, Annie Ernaux is known for her social and feminist commitment, particularly to the younger generation, and for her ability to explore universal themes such as memory, identity and the human condition. Her precise style and emotional analysis have made her a major figure in contemporary literature. It combines texts from Ernaux’s book , 1993 – a record of happenings on trains, shops and streets in-and-around Cergy-Pontoise between 1985 and 1992 – with more than one hundred and fifty images from the MEP collection by major photographers such as Harry Callahan, Claude Dityvon, Dolorès Marat, Daido Moriyama, Janine Niepce, Issei Suda, Henry Wessel and Bernard Pierre Wolff, amongst others. The image selection covers the second half of 20th century and includes photographs mostly taken in France but also in England, Japan, USA and other countries. Photography has long been an interest of Annie Ernaux’s and references to childhood photographs appear across her work. In she takes a new approach, by directly attempting to write as if making images: “To describe reality as through the eyes of a photographer and to preserve the mystery and opacity of the lives I encountered.” The exhibition pays homage to Annie Ernaux's objective, by treating her words as photographs, displaying them on the walls of the museum. The diverse photographs that appear alongside her texts reveal a shared interest in the role of place and space in how modern life unfolds. Both images and texts unveil how ordinary and insignificant events we observe in the city reflects back at us broader societal inequalities and stereotypes. The exhibition is grouped around themes that underpin Ernaux’s observations – from the daily rituals of travel and consumption, to the performances of class and gender performance that underpin society’s hierarchies. Also considered are the feelings of fear and loneliness prevalent in the modern city, and the fine lines between what is public and private, shared and separate. The exhibition is the product of a residency conducted by the curator and writer Lou Stoppard in April 2022, which focused on using the MEP collection as a catalyst for new research and for linking photography to other mediums. To coincide with the exhibition, a catalogue will be published in French and in English by Éditions MACK in partnership with the MEP. Curator: Lou Stoppard Curator for the MEP: Victoria Aresheva

Tom Penn, son of Lisa Fonssagrives-Penn and Irving Penn, proposed this exhibition project to the MEP. He has generously donated part of this remarkable collection to the MEP. Lisa Fonssagrives-Penn (1911-1992), dancer, model, photographer, stylist and sculptor, is considered to be the first ‘supermodel’ in history. For 20 years, she was frequently featured in and , appearing on around 200 covers of the leading fashion magazines of her time. In 1949, at the age of 38, she was at the height of her career, and appeared on the cover of magazine. A much sought-after model, she collaborated with the greatest fashion photographers of the period: Fernand Fonssagrives, her first husband; Horst P. Horst, whose favourite model she was; George Hoyningen-Huene, George Platt Lynes, Erwin Blumenfeld, who famously photographed her hanging from the Eiffel Tower in a dress by Lucien Lelong; Louise Dahl- Wolfe, whose resolutely modern style suited Lisa perfectly; Irving Penn, whom she married in 1950, and who made her his partner in his greatest photographs, Richard Avedon, her friend Frances McLaughlin-Gill, the first woman photographer to be signed by ; and many others, including Kathryn Abbe, James Abbe Jr., Gene Fenn, Otto Fenn, Toni Frissell, Harold Halma, Genevieve Naylor, John Rawlings and Lillian Bassman. More than just a model, Lisa Fonssagrives-Penn contributed extensively to the creative process. Most of the photographs were taken in the studio and required long hours of preparation and a real connection between photographer and model.

Son titre, Small is “still” beautiful, est un clin d’œil à l’exposition inaugurale de la galerie présentée en mars 2021, intitulée Small is beautiful. Comme trois ans auparavant, Clavé Fine Art met à l’honneur le petit format dans toute sa grandeur, mais elle invite cette fois-ci des artistes contemporains à se prêter au jeu. Des œuvres inédites de Léo Nataf, Claudine Drai, Pauline Guerrier, Sacha Floch Poliakoff, Félix Beausoleil, François Réau et Virgile Belaval, tous exposés dans la galerie depuis sa création, côtoient ainsi pendant deux mois des pièces de petite taille d’artistes majeurs du XXe siècle tels que César Baldaccini, Antoni Clavé, Jean Dubuffet, Yves Klein, Germaine Richier, Pablo Picasso ou encore Zao Wou-Ki. En mars 2021, la galerie Clavé Fine Art ouvre ses portes au cœur du 14e arrondissement de Paris, nichée dans l’ancien atelier de César redessiné par l’architecte japonais Kengo Kuma. Durant ces trois années, des œuvres de maîtres modernes et celles d’artistes contemporains ont tour à tour dialogué à leur manière avec le volume et la lumière qui émanent de l’intérieur de la galerie et le délicat washi de Kengo Kuma qui en recouvre ses murs. Du 11 mars au 11 mai 2021, la galerie inaugure son espace avec l’exposition Small is beautiful, présentant un ensemble de 16 œuvres de petits formats d’Alexander Calder, César, Eduardo Chillida, Antoni Clavé, Jean Dubuffet, Yves Klein, Roberto Matta, Joan Miró, Zoran Music, Germaine Richier, Pierre Soulages et Antoni Tàpies. Le principe est de ne présenter que des pièces de petite taille, comme l’eut fait Ernst Beyeler, qui par trois fois (en 1954-55, 1967-68 et 1978) organisa des expositions de petits formats, présentant des oeuvres « aussi grandes qu’il le faut, et pas plus ». En mars 2024, à l’aune de son troisième anniversaire, Clavé Fine Art organise une exposition clin d’œil à son inauguration et invite tous les artistes contemporains qui ont exposé depuis 2021 dans la galerie à créer pour l’occasion des œuvres de petite taille. Elle présente ainsi les créations immaculées en papier mâché de Claudine Drai, les céramiques telluriques de Léo Nataf, des tissages de la série des Minimes de Sheila Hicks et les créations à la mine de plomb ou en bronze de François Réau, aux côtés de l’univers pop de Sacha Floch Poliakoff, des créations colorées de Félix Beausoleil et Virgile Belaval et du travail inspiré des savoir-faire traditionnels et techniques ancestrales de Pauline Guerrier. L’accrochage mêle ces productions inédites à de petites œuvres d’artistes majeurs du XXe siècle, tels que César Baldaccini, Antoni Clavé, Jean Dubuffet, Yves Klein, Giorgio Morandi, Claude de Soria, Jean Paul Riopelle, Pablo Picasso ou encore Zao Wou-Ki. Ce sont ainsi autant d’artistes, de techniques et de matières différents qui sont réunis chez Clavé Fine Art, avec un point commun : le dévoilement de la splendeur du petit format, sous toutes ses formes.

In the early 1990s, while studying at the famous Sir J.J. School of Art in Mumbai, Atul Dodiya spent a year at the Paris École des Beaux Arts. The experience proved decisive in the career of an artist who has been building bridges between the history of Indian and Western art ever since. Passionate about literature and film, he uses a unique language, fluctuating between the figurative and the abstract, where he incorporates references to popular culture, poetry and modern art masters, from Matisse to Motherwell, Picabia to Mondrian. Atul Dodiya possesses an astonishing capacity to reinvent himself and his style, equally happy to draw on photorealism or symbolism. He paints on metal roller shutters, creates photographic assemblages and devises largescale installations combining object and painting. Embedded in his works is a reflection on the history of India and emergence of new political aspirations. The exhibition’s entry point is the Mumbai movie world of the 1960s that marked the artist’s childhood. The title “I know you. I do. O’ stranger” is inspired by the film Charulata (1964) by Satyajit Ray. The deceptively ordinary chosen scenes are the fruit of complex compositions where the actor’s fame takes a back seat to anonymity. “A recurring theme in my cinematographic stories,” explains the artist, “the characters encounter each other just like strangers.” Liberated from all narrative context, their mysterious beauty is revealed, leaving the viewer free to interpret their meaning. In the manner of a filmmaker, Atul Dodiya directs our gaze through space, from one canvas to the next. Certain fragments of a roll of film seemingly pay tribute to the technical feats of cinema. Others highlight the emergence of a new consumer society, with hand-crafted movie sets becoming, in the artist’s hands, some sophisticated furnishings and interiors. The outward appearance of an economy of means conceals a demanding and meticulous painting technique. Atul Dodiya transforms freeze frame photographs in a preliminary monochrome print. Projected onto the canvas, he goes over the scene in black and white until chiaroscuro transcends movement. He completes the image’s metamorphosis by covering it in translucent oil paint, swapping the vibrant palette favoured by Bollywood films for a pastel, almost ephemeral, colour range. This transformation of the image as it is filmed, photographed, illuminated and colourised becomes a metaphor for the impact of modernity and globalisation on perception and traditions. “In this very personal selection of moments frozen in time,” he continues, “the unreal becomes a new story, another truth.” Atul Dodiya was born in 1959 in Mumbai where he lives and works. His work features in the collections of a host of international museums, including the Mnam-Centre Pompidou in Paris, Tate Modern in London and Philadelphia Museum of Art. He has taken part in most major exhibitions of Indian art held in the USA, Europe and Asia over the last twenty years: Atul Dodiya, Detroit Institute of Arts Museum, Detroit, USA (2020), After Midnight: Indian Modernism to Contemporary India at Queens Museum in New York (2015), India: Art Now at the ARKEN Museum of Modern Art in Denmark (2012), La Route de la soie at Tri Postal in Lille and Paris Delhi Bombay at the Centre Pompidou (2011), Inside India at Palazzo Saluzzo Paesana Turin and The Empire Strikes Back at the Saatchi Gallery in London (2010), and Indian Summer at the École des Beaux Arts in Paris (2000). He also participated in Documenta 12 in Kassel (curated by Roger Buergel) in 2007, the Gwangju Biennale (curated by Okwui Enwezor) in 2008, Moscow Biennale (curated by Jean-Hubert Martin) in 2009, Kochi-Muziris Biennale in 2012, and 7th Asia Pacific Triennial of Contemporary Art (APT7) in Brisbane in 2012. In 2013, the National Gallery of Modern Art in New Delhi organised the first retrospective of his work in India (curated by Ranjit Hoskote). In 2014, Bhau Daji Lad in Mumbai paid tribute to his work with a major exhibition: 7000 Museums. In 2019, he was among the artists showcased at India’s Venice Biennale participation, with a largescale installation dedicated to Gandhi. This is the fourth exhibition of Atul Dodiya’s work at Galerie Templon.

Artists whose work, unique and profound, made by and for human beings, is fundamentally visionary and inherently valuable. At a time when we are facing fundamental questions for the future of humanity, including Artificial Intelligence with all its advantages and dangers, global warming and the urbanization of cities transformed into megacities, the gallery is more than ever committed to defending artists who propose a world based on notions of sustainable development, balance and peace, combining in their works past, present and future visions, a world that embodies the major challenges of the 21st century. The cycle of exhibitions entitled , inaugurated in February 2023 with the exhibition by Dani Karavan and Jean-Paul Philippe, continued in mid-September 2023 with by Antoine Grumbach, and closes with the exhibition by Susumu Shingu, sculptor of water and wind with whom the gallery has been collaborating since 2006, who created a Wind Museum in Japan and recently exhibited at the Château de Chambord to celebrate the 500th anniversary of Leonardo da Vinci’s death. Susumu Shingu has exhibited recently with Renzo Piano at the Nakanoshima Art Museum in Osaka, Japan, entitled ( July- September 2023); they have completed over a dozen projects together. The exhibition also provided an opportunity to delve deeper into Susumu Shingu’s research into perpetual movement based on the natural energies that drive his sculpture, with drawings, paintings, sculptures and models of his major projects.

Mesoamerica is a personal reflection inspired by Daniel Dezeuze's travels to Mexico and local Maya architecture. Daniel Dezeuze visited Mexico for the first time in the mid-1960s. The year he spent there proved to be a lasting influence. His latest works, wall assemblages made using offcuts of painted wood, hark back to the pivotal experience in the jungle, home to long-gone civilisations. The ground floor of the exhibition features a "negotiating table" surrounded by an installation of "weapons" and "shields", evoking the tensions between nature and culture, indigenous people and colonisers. The simplicity of the artist's chosen materials - wood, mesh and corks - and the delicacy of the way he combines them offer a disturbing exploration of the frontiers between art and crafts, the untouched and the policed, as well as the fragility of civilisations and modernity. In contrast, the gallery basement is inhabited by a collection of drawings Daniel Dezeuze has put together, a jungle of flowers, insects, mosquitoes and snails. Bordering on the abstract, the series of pieces depicts fragile yet untameable nature, illustrating the artist's obsession with "capturing the uncapturable”. Daniel Dezeuze has spent almost fifty years deconstructing the notion of painting, exploring its traditional techniques and materials in a quest to delve into the role, history and practice of painting. The impulse to spurn the canvas began very early on his career: he flipped stretchers against the wall, playing with empty spaces and three-dimensionality to push the boundaries of artistic traditions. His work is steeped in craftwork practices and anthropology, reflecting his interest in nomadic and non-European cultures. His remarkable journey has led him to experiment with what are seen as “poor”materials—wood, gauze, net and fabric, as well as subverted objects. His oeuvre has heavily influenced new generations of European artists, and features in numerous public collections, including at the Centre Pompidou, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Musée Fabre in Montpellier, Carré d’Art in Nîmes and Musée d’Art Contemporain (MAC) in Marseille. Born in 1942 in Alès, Daniel Dezeuze lives and works in the southern French port town of Sète. His work has been widely exhibited since the 1970s in France and internationally. The Musée de Grenoble held a retrospective of his art in 2017 while the FRAC Occitanie in Montpellier held an exhibition of his drawings in 2015. MAMAC in Nice (2012), Centrale Electrique in Brussels (2009) and the Musée Fabre in Montpellier (2009) have also shown his work. In 2008, he exhibited his entire oeuvre at the Musée Paul Valéry in Sète.

Marshaling a dizzying variety of materials and methods both established and unconventional, Fischer explores themes of perception and representation, distorting scale and reimagining common objects and images through technological intervention. By evoking and reworking historical genres and motifs, he embraces transformation and decay, producing art that inhabits a space between the real and the imagined. The series represents a conscious flattening out and forcing together of disparate categories and associations, calling the status and relationship of each image’s components into question. While earlier foreground food and manufactured objects, the paintings on view in Paris feature enlarged vintage publicity headshots of popular film actors Jeanne Moreau, Romy Schneider, and Gene Tierney, partially obscured by silkscreened images of flowers. The subjects’ eyes gleam with mystery, while the vibrant colors of the blooms reflect the women’s enigmatic hidden depths. Fischer’s witty clash of images summons the romantic and sexual associations of flowers while hinting at the ephemeral character of glamour and fame; it also evokes the mustache that Marcel Duchamp penciled onto a postcard reproduction of the in or (1919). The tense face-off between obfuscation and potential enacted by the works on view gives rise to the formal “problems” referenced in their collective title, while the masking of their subjects’ facial features hints at psychic and conceptual erasure. The blooms evoke floriography (the use of flowers as a coded poetic language), their pink, white, and blue colors echoing the symbolic colors of the . And while their large scale suggests power and strength, they also serve as a metaphor for the women’s emergence into the sometimes harsh light of fame.

His pictures, often taken in his time off while working on films, many directed by Wim Wenders and Jim Jarmusch between the early 1970s and the late 1990s, were, at first, not intended to be displayed. These intimate, personal snapshots, captured in moments of solitude, contextualize the world through his eyes. As a cinematographer, Müller chose to work with film directors who had something to say about life; his Polaroids bear witness to his humble and poetic outlook on life. The original Polaroids and prints on display show an amalgamation of cinematic still lifes, landscapes, cityscapes as well as interior views, mainly shot in different cities in the United States. From neon signage on a motel in Santa Fe, street lamps in Los Angeles, the play of shadows on a wall in Memphis to the illuminated Eiffel Tower in Paris, these eclectic images interpret varying degrees of luminosity. In an essay written about his Polaroids, Bianca Stigter notes: “Robby Müller is often compared to Vermeer, because they are both Dutch and because they both handle light in a reverent way. They do not use light to convey a scene; they use a scene to convey the light. Light is not what makes things visible; things are what makes light visible. The Polaroids, especially as seen in series, are preoccupied with light, how it shines through a curtain or a shirt, how daylight gives over to artificial light, how light can have color and give color, how different light sources compete and fade.” While working on long-feature films, Müller spent months on the road, sleeping in hotel rooms where he observed reflections on mirrors, windows or TV screens, noticing the particularities of light cast from a table lamp, and discerning the sun’s rays descending on a coffee maker or piercing through shutters. As Bianca Stigter tells it: “It is possible to see a picture of a hotel room and not think of hotel rooms, especially if that picture is taken by Robby Müller, cinematographer extraordinaire, who manages to do away with the useful categories children spend a lifetime learning only later to find solace when they do not apply, to see walls and faces just as things for the light to play upon. Sartre’s protagonist in Nausea felt disgust confronted by familiar things he suddenly could not name, but in the works of Robby Müller it becomes a liberation. There is freedom in this ignorance, like a precious gift; in a world where everything is weighed down by meaning the sudden absence is strange and exhilarating.” Robby Müller (Curaçao, 1940 – Amsterdam, 2018) was a cinematographer and a photographer. Throughout his fifty-year long artistic career as a cinematographer, Müller collaborated with the most talented and renowned film directors such as Wim Wenders, Jim Jarmusch, Barbet Schroeder, Andrzej Wajda, Lars von Trier and Raoul Ruiz. The more than 60 feature films he worked on include: (1977) and (1984) by Wim Wenders; (1986), (1989) and (1999) by Jim Jarmusch; (1996) and (2000) by Lars von Trier. In 2002 he also filmed (2002) in collaboration with his long-time friend Steve McQueen on the Caribbean island of Grenada; Müller’s luminous footage subsequently also became a central part of McQueen’s (2002-2015). Robby Müller’s extensive archive of Polaroid photographs have been shown in several exhibitions since 2016: in the retrospective , at the EYE Filmmuseum, Amsterdam (2016) and at the Deutsche Kinemathek in Berlin (2017); , curated by Andrea Müller-Schirmer, in Arles (2019), at the International Film Festival of Rotterdam (2020). In remembrance of Robby Müller, the Netherlands Society of Cinematographers, the International Film Festival Rotterdam, and Andrea Müller-Schirmer established the annual Robby Müller Award in 2020. The exhibition has been organized in collaboration with Andrea Müller-Schirmer, founder of the Robby Müller Archive, and Annet Gelink Gallery.

Often using reminiscence and memory as a vehicle for inspiration, Messager's wide range of hybrid forms has had an affinity with traditions as varied as the romantic, the grotesque, the absurd, the phantasmagoric. Through an embrace of everyday materials, and principles of assemblage, collection and theatrical display, her diverse media has included construction, documents, language, objects, taxidermy, drawings, photographs, fabric, embroidery, image collections, albums, sculpture and installation. Messager has explored fairy tales, mythology and doppelgangers throughout her œuvre. Often using reminiscence and memory as a vehicle for inspiration.

Au printemps 2024, l'Institut suédois présente « Suivre les ondes », une sélection d’œuvres de Lars Fredrikson, en dialogue avec deux artistes contemporaines, Anastasia Ax et Christine Ödlund. Dans cette exposition, présentée du 8 mars au 16 juin, se mêlent images et sculptures, poésie et lectures, mais aussi objets animés, mouvement et son. Au milieu des années 1940, Lars Fredrikson, jeune ingénieur radio, tente avec un ami de réaliser des sculptures à l’explosif sur une plage en Suède. La démarche artistique est pour le moins sensationnelle pour son temps et ouvre la voie à une œuvre singulière et variée. Bientôt, Lars Fredrikson se rend à Paris pour étudier l’art et restera en France jusqu’à la fin de sa vie. Principalement installé dans le sud, il crée une œuvre que l’on peut qualifier de révolutionnaire dans les domaines de la sculpture cinétique, de l’image, du son et des nouvelles technologies. Une œuvre qui implique de nombreuses collaborations novatrices à la croisée du son et de la poésie, de la sculpture et du mouvement, ainsi que d’importantes avancées technologiques au service de l’art. Devenu professeur à la Villa Arson de Nice, il consacre également une grande partie de sa vie à la pédagogie innovante, en tant que fondateur et directeur du premier département de son et de recherches électro-acoustiques et visuelles. Malgré ces percées importantes, Lars Fredrikson est pratiquement inconnu en Suède et guère plus connu en France, à l’exception d’un petit cercle d’historiens de l’art, de conservateurs et d’artistes. Au printemps 2024, l’Institut suédois présente une sélection d’œuvres de Lars Fredrikson, en dialogue avec deux artistes contemporaines, Anastasia Ax et Christine Ödlund. Toutes deux ont une pratique polyvalente qui évolue librement dans un large et riche champ d’expressions : la sculpture et diverses formes d’images, la performance, le mouvement et le son. Elles partagent aussi avec Lars Fredrikson une grande fascination pour la façon dont l’énergie circule et se transforme à travers différents matériaux et pour la manière dont la communication opère entre diverses formes de vie et d’états. Ainsi, dans l’exposition se côtoient les larges feuilles en inox martelé et plié, sculptures électro-mécaniques, toiles motorisées, pièces sonores et « écritures subversives » de Lars Fredrikson, les aquarelles ésotériques et installations électro-acoustiques de plantes de Christine Ödlund, et les plâtres lacérés et installations performatives d’Anastasia Ax. L’exposition est activée par un riche programme de performances, concerts, rencontres et lectures dans l’esprit de Lars Fredrikson. Deux concerts sont organisés avec les compositeurs Tarek Atoui et Hampus Lindwall et en collaboration avec l’EMS (Elektronmusikstudion, ou Studio de musique électronique) à Stockholm qui, depuis soixante ans, constitue un important point de rencontre entre musique électronique contemporaine et art sonore. Il y aura aussi des événements autour de la poésie sonore, une forme d’art que Lars Fredrikson, ami et collaborateur de nombreux poètes, affectionnait particulièrement. Suivre les ondes est la première d’une série d’expositions de l’Institut suédois qui se propose de mettre en dialogue des artistes historiquement importants et des artistes contemporains, afin de faire valoir l’impact des premiers sur les seconds, de même que leur pertinence actuelle.

Au printemps 2024, l'Institut suédois présente « Suivre les ondes », une sélection d’œuvres de Lars Fredrikson, en dialogue avec deux artistes contemporaines, Anastasia Ax et Christine Ödlund. Dans cette exposition, présentée du 8 mars au 16 juin, se mêlent images et sculptures, poésie et lectures, mais aussi objets animés, mouvement et son. Au milieu des années 1940, Lars Fredrikson, jeune ingénieur radio, tente avec un ami de réaliser des sculptures à l’explosif sur une plage en Suède. La démarche artistique est pour le moins sensationnelle pour son temps et ouvre la voie à une œuvre singulière et variée. Bientôt, Lars Fredrikson se rend à Paris pour étudier l’art et restera en France jusqu’à la fin de sa vie. Principalement installé dans le sud, il crée une œuvre que l’on peut qualifier de révolutionnaire dans les domaines de la sculpture cinétique, de l’image, du son et des nouvelles technologies. Une œuvre qui implique de nombreuses collaborations novatrices à la croisée du son et de la poésie, de la sculpture et du mouvement, ainsi que d’importantes avancées technologiques au service de l’art. Devenu professeur à la Villa Arson de Nice, il consacre également une grande partie de sa vie à la pédagogie innovante, en tant que fondateur et directeur du premier département de son et de recherches électro-acoustiques et visuelles. Malgré ces percées importantes, Lars Fredrikson est pratiquement inconnu en Suède et guère plus connu en France, à l’exception d’un petit cercle d’historiens de l’art, de conservateurs et d’artistes. Au printemps 2024, l’Institut suédois présente une sélection d’œuvres de Lars Fredrikson, en dialogue avec deux artistes contemporaines, Anastasia Ax et Christine Ödlund. Toutes deux ont une pratique polyvalente qui évolue librement dans un large et riche champ d’expressions : la sculpture et diverses formes d’images, la performance, le mouvement et le son. Elles partagent aussi avec Lars Fredrikson une grande fascination pour la façon dont l’énergie circule et se transforme à travers différents matériaux et pour la manière dont la communication opère entre diverses formes de vie et d’états. Ainsi, dans l’exposition se côtoient les larges feuilles en inox martelé et plié, sculptures électro-mécaniques, toiles motorisées, pièces sonores et « écritures subversives » de Lars Fredrikson, les aquarelles ésotériques et installations électro-acoustiques de plantes de Christine Ödlund, et les plâtres lacérés et installations performatives d’Anastasia Ax. L’exposition est activée par un riche programme de performances, concerts, rencontres et lectures dans l’esprit de Lars Fredrikson. Deux concerts sont organisés avec les compositeurs Tarek Atoui et Hampus Lindwall et en collaboration avec l’EMS (Elektronmusikstudion, ou Studio de musique électronique) à Stockholm qui, depuis soixante ans, constitue un important point de rencontre entre musique électronique contemporaine et art sonore. Il y aura aussi des événements autour de la poésie sonore, une forme d’art que Lars Fredrikson, ami et collaborateur de nombreux poètes, affectionnait particulièrement. Suivre les ondes est la première d’une série d’expositions de l’Institut suédois qui se propose de mettre en dialogue des artistes historiquement importants et des artistes contemporains, afin de faire valoir l’impact des premiers sur les seconds, de même que leur pertinence actuelle.

Dans la continuité de la thématique qu’il privilégie et qu’il nomme la fin du banal, il présentera un ensemble de peintures et de dessins, sur notre monde contemporain. « Après L’asphyxie, il y a quatre ans, je propose ma deuxième exposition personnelle à la galerie Les Filles du Calvaire dans leur nouvel espace : L’impuissance, à la recherche d’une esthétique adaptée au temps de la dérive climatique, désanthropocentré et sensible à la perte tragique de ce qui est encore là. Dans le cadre de la fin du banal, il s’agira d’une exposition aux thématiques éclatées, en lambeau, avec un titre faisant office de parfum. Celui-ci renvoie, encore aujourd’hui, de manière symptomatique, à une problématique sexuelle alors qu’il sera ici question d’impuissance politique et existentielle ainsi que de peinture, par des expériences limitées. Mais aussi d’une impuissance désirée : moins de puissance dans la dévastation, dans l’accaparement, dans l’emprise, plus de soin, plus de douceur, plus d’attention humble et de dignité au trésor quotidien qu’est le monde des apparences. On retrouvera ainsi des policiers allemands virilistes embourbés dans la gadoue, un coucher de soleil sur la mer que contemple une poubelle plastique, la plage d’Ostende ultra urbanisée rendue caduque par une montée des eaux, un mur frontal de briques couvertes de tags amoureux comme autant de traces publiques d’une existence étroite. « Dans la serre », une peinture qui m’a pris deux ans à élaborer, représente une foule faisant la queue dans un jardin artificiel. En pleine contre-productivité humaine et disharmonie du biotope, le traitement pictural du fourmillement des plantes est aussi précis que celui des humains. La multitude des sujets et la variété des vitesses d’exécution permettent également un déploiement de texture : peau, poil, gluant, visqueux, poisseux, ; il ne s’agit pas d’abandonner la joie de peindre. En témoigne un bestiaire comme un cul de vache, une coccinelle, un coq, un autoportrait ou un chat assoupi. L’exposition sera de plus ponctuée de petits formats à échelle de plantes saxicoles, cette verdure sans nom, trésor de vitalité, qui pousse vaillamment dans les interstices minéraux de nos villes et les rafraîchit. Encore prenant la forme d’une technique inventée : des gravures tirées à partir de dessin numérique sur iPad, permettant une finesse de trait inédite. On retrouvera, par ailleurs, ma série des « Distanciels » : des portraits au fusain exécutés par zoom pendant la pandémie, des visages rétro-éclairés par leur écran d’ordinateur dans l’ambiance et la qualité de connexion de leur confinement. Au sous-sol, une vidéo conceptuelle anxiogène « Vous êtes ici » contaminera l’ensemble de l’accrochage. Une réflexion frontale sur notre mode de vie présent, la part de violence et de poison qu’elle nécessite. Enfin dans l’attitude qui est la mienne depuis trois ans, chaque samedi de l’exposition à 17h, j’animerai en public un épisode des « Apparences », une chaîne YouTube et Twitch autour de la vitalité de la peinture contemporaine sur la scène française. » Thomas Lévy-Lasne

The sculptor, who used to say, “painting doesn't exist for me”, has nevertheless always been strongly atached to the engraved or drawn image. She recorded in her diaries the visual ideas that appeared to her and which, in her own words, she caught . Like her sculptures, with their shapeless, organic materials, her engraved work explores the ambiguity of the forms issuing from her fantasy-laced memories. She collects, skins, deconstructs, models and assembles. This interplay of back and forth, conducive to the engraver's art, is particularly evident in her , a feminine reinterpretation of the figure of the famous martyr pierced by arrows. In 1990, Bourgeois began the first version and would return to it several times, cropping the image, even using photocopying to develop her composition and/or transfer it to a copper plate. Born in France in 1911 and deceased in 2010, Louise Bourgeois is one of the major artists of the second half of the 20th century and the beginning of the 21st. Discovered late, her work, which eludes any artistic classification, has been the subject of major exhibitions and retrospectives around the world over the last 30 years. Her work was first presented in France in 1985 by Galerie Lelong. In 2000, Galerie Lelong & Co. published a volume of writings and interviews by Louise Bourgeois entitled, .