Featured Events in Paris in February, 2024 (March Updated)

The Louvre’s Department of Near Eastern Antiquities is hosting ten major works from New York’s Metropolitan Museum of Art, whose Department of Ancient Near Eastern Art is currently closed for renovation. The Louvre and The Met have created a unique dialogue between these two collections, which is displayed in the Louvre’s permanent galleries. These ‘special guest’ artworks from The Met, dating from between the late 4th millennium BC and the 5th century AD, show some remarkable connections with the Louvre’s collection. In some cases, a pair of objects has been reunited for the first time, while in others, pieces complement each other by virtue of specific historical features of their respective collections. Representing Central Asia, Syria, Iran and Mesopotamia, this dialogue between collections is (re)introducing visitors to these extraordinary, age-old works of art and the stories they tell.

Guillaume Bottazzi a réalisé un tableau fruité en face du parc Montsouris. Il est visible de l’extérieur, au 34-36 avenue Reille, à Paris dans le 14ème arrondissement. Ce tableau apporte l’art ou on ne l’attend pas forcément et accompagne le quotidien des habitants. Cette huile sur toile de lin mesure 0,90m de haut par 1,80m de large. Elle a été conçue pour habiller l’entrée d’un bâtiment et dialogue avec les éléments qui l’entourent. L’artiste a déjà créé plus de 65 œuvres dans des espaces publics, comme un polyptique de 100m² à Paris La Défense, à Hong-Kong ou au Japon où il est l'auteur de la plus grande peinture du Pays, commandée par le Musée International d'Art Miyanomori. Ses œuvres font partie de collections muséales, notamment en Asie et aux Etats-Unis.

Guillaume Bottazzi a réalisé un tableau fruité en face du parc Montsouris. Il est visible de l’extérieur, au 34-36 avenue Reille, à Paris dans le 14ème arrondissement. Ce tableau apporte l’art ou on ne l’attend pas forcément et accompagne le quotidien des habitants.Cette huile sur toile de lin mesure 0,90m de haut par 1,80m de large. Elle a été conçue pour habiller l’entrée d’un bâtiment et dialogue avec les éléments qui l’entourent. L’artiste a déjà créé plus de 65 œuvres dans des espaces publics, comme un polyptique de 100m² à Paris La Défense, à Hong-Kong ou au Japon où il est l'auteur de la plus grande peinture du Pays, commandée par le Musée International d'Art Miyanomori. Ses œuvres font partie de collections muséales, notamment en Asie et aux Etats-Unis. Site internet de Guillaume Bottazzi : https://www.guillaume.bottazzi.org

En 2024, pour la 8e édition des prix AWARE, deux prix seront attribués : le prix Nouveau Regard, récompensant une artiste en milieu decarrière et le prix d’honneur, attribué à une artiste justifiant de plus de 40 ans decarrière. À nouveau cette année, quatre rapporteur·euse·s – professionnel·le·sengagé·e·s du monde de la culture – présélectionneront chacun·e un duo d’artistes, nommées respectivement au prix Nouveau Regard et au prix d’honneur, et présenteront et défendront leur travail devant un jury composé de sept figures majeures du monde de la culture. Les quatre rapporteur·euse·spour l’édition 2024 sont Simona Dvorák, Antoine Idier, Noelia Portela et Olivier Zeitoun. Simona Dvorák Simona Dvorák est curatrice et historienne de l’art basée à Paris. Elle s’intéresseà des pratiques performatives, sonores, radiophoniques et vidéo, en mettanten valeur un travail collectif à long terme. En tant que curatrice au sein de l’Initiative for Practices and Visions of Radical Care, elle étudie la manière dont nous pouvons créer des espaces communs et solidaires dans la sphère culturelle. Son travail souligne l’importance des « processus d’exposition » qui anticipent les futurs possibles : antisexistes, antiracistes, inclusifs. Plus récemment, elle a été boursière du programme Art et éducation à la documenta fifteen à Kasselet a collaboré sur la conception du programme public Walking with Water, imaginé en relation avec le pavillon serbe de la 59e Biennale de Venise. Elle a été également chargée de programmation au Centre Pompidou à Paris ouelle a notamment travaillé sur le programme Cultures d’avenir. Actuellement, Dvorák est curatrice invitée, avec Tadeo Kohan, pour le programme « actes delangage » à la Maison populaire de Montreuil. Parallèlement, elle développe un projet de recherche sur la politique des archives au Rockbund Art Museum, Shanghai, en collaboration avec Merv Espina. Antoine Idier Antoine Idier est maître de conférences en science politique à Sciences Po Saint-Germain-en-Laye, où il coordonne les enseignements « Art & culture » et dirige le Master Politiques de création. Il a publié de nombreux ouvrages, dont Les Vies de GuyHocquenghem. Politique, sexualité, culture(Fayard, 2017), Archives des mouvements LGBT+ (Textuel, 2018), Pureté etimpureté de l’art. Michel Journiac et le Sida (Sombres torrents, 2020) ou encore Résistances Queer. Une histoire des cultures LGBTQI+(avec Pochep, Delcourt/La Découverte, 2023). Il a édité des écrits de Guy Hocquenghem (Un journal de rêve, Verticales, 2017) et de yann beauvais (Agir le cinéma, Presses du réel, 2021). En 2022-2023, il a été commissaire de l’exposition Dans les marges. Trente ans du fonds Michel Chomarat à la bibliothèque de Lyon. Pour un projet en cours d’écriture, il a également reçu une bourse de recherche de la fondation Robert Rauschenberg. Noelia Portela Noelia Portela est commissaire d’exposition indépendante et coordinatrice de projets culturels basée à Paris. Noelia Portela est diplômée de l’école d’Architecture et de Design de l’université Victoria de Wellington en Nouvelle-Zélande. En 2017, elle fonde Persona Curada, un projet curatorial itinérant et expérimental à but non lucratif qui vise à promouvoir l’art contemporain latino-américain, mis en perspective avec la scène artistique française. Avec Persona Curada, elle organise des expositions, des projections, des performances et des débats en collaboration avec des institutions et des espaces d’art contemporain. Ses textes ont été publiés dans des revues comme Artishock Magazine (Chile), Relieve Contemporaneo (Argentina) et Obra Latinoamericana (Suisse). Olivier Zeitoun Olivier Zeitoun est attaché de conservation au département Design et Prospective industrielle du Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, à Paris. Diplômé en philosophie, histoire de l’art et en sciences sociales, il est l’auteur de nombreux articles et essais sur les enjeux liés aux champs du numérique et du vivant, dans l’art et le design. Il a été co-commissaire des expositions « La Fabrique du Vivant » (Centre Pompidou, 2019), « Réseaux-Mondes » (Centre Pompidou, 2022), « Mimésis, un design vivant » (Centre Pompidou-Metz, 2022), avec Marie-Ange Brayer, et a co-dirigé les catalogues les accompagnant. Il poursuit ses activités de commissariat, d’enseignement, de recherche et de publications en tant que commissaire et critique indépendant. Il ouvrira prochainement au Huidenclub, à Rotterdam, avec Léo Orta, l’exposition « Design Sediments ».

Crazy Horse (formerly known as Crazy Horse Saloon) is a cabaret located at 12 avenue George V, in the Champs-Élysées district of Paris. It was founded by Alain Bernardin in 1951. The name "Crazy Horse" comes from the English name of the Sioux chief Thašunka Witko and subsequently became famous. It is one of the three great spectacles of Paris, alongside the Lido and the Moulin Rouge. The Crazy Horse show is known for its exquisite, elegant, and alluring performances, which are artistic displays incorporating the concepts of "sound, light, color, and nudity." The entire show is typically comprised of beautiful dancers with well-proportioned and consistent bodies, who use gorgeous and fantastic lights and smoke as their clothing, presenting a three-dimensional song and dance show that combines sound, light, and sensory effects under colorful lighting and music.

The Moulin Rouge is located in the Pigalle area of the Montmartre district of Paris. The Moulin Rouge is not big from the outside, and the red windmill on the roof is his symbol, which is very conspicuous. Historical background The Moulin Rouge was founded in 1889. It is a historic show in Paris. Now it can accommodate more than 2,000 people and attract audiences from all over the world. In 2001, Nicole Kidman starred in "Moulin Rouge" to make it more famous. The exciting cabaret show Moulin Rouge is also known as the birthplace of modern cancan, which incorporates more acrobatic and athletic skills. Lively rhythm, kicking high thighs, amazing, slightly crazy. In addition, the sky show is also very attractive. The exquisite costumes of the dancers are tailor-made by Italian design masters. The stage design is quite elegant, and the scenes are varied. The dancers come from all over the world, and the performance level is very high. During the period, acrobatics and magic are interspersed. Waiting for the performance, amazing and exciting. Night performances The Moulin Rouge song and dance show usually starts at 7 pm, and there are two to three performances every night. The performance time is about 1 hour and 30 minutes. The performances including dinner are generally around 7 pm. Please refer to the official website for the specific time. When watching the performance, the Moulin Rouge does not allow coats and coats to be brought into the room, and coats must be stored before entering the venue

Dix années que l’association, co-fondée en 2014 par l’historienne de l’art Camille Morineau, travaille à rendre visibles les artistes femmes des XIXe et XXe siècles par différents moyens : un site Internet proposant plus de 1 100 textes biographiques gratuits et entièrement bilingues, rédigés par plus de 500 chercheur·euses, curateur·rices, historien·nes de l’art féministes, critiques d’art et activistes ; des colloques, tables-rondes et séminaires en partenariat avec différentes structures à l’international ; des publications régulières ; des prix récompensant des artistes femmes ; un centre de recherche et de documentation, mais aussi le développement de réseaux dans le monde entier. Cette année anniversaire sera rythmée au long de l’année par de nombreux événements en France et à l’étranger. « AWARE est un acronyme que j’ai envie, pour ce 10ème anniversaire, de décliner parfois autrement. A comme Archives. Celles qui m’avaient manquées lorsque, fin 2007, je commençais à travailler sur « elles@centrepompidou » ouvert en 2009 : les 300 artistes et 1 000 œuvres qui étaient dans les collections du MNAM étaient peu documentées. Il était difficile de montrer celles sur qui presque rien n’avait été écrit. Depuis, la visibilité des artistes femmes ne fait plus de doute et le cercle vicieux d’absence d’information est devenu vertueux avec le nombre d’expositions, de publications. Mais aussi A comme Anniversaire et le petit frisson de souffler tant de bougies - car comment aurais-je pu rêver que le projet, né en 2014, puisse durer et que l’utopie d’un outil à la fois utile et qui transforme, se transforme en réalité ? Plus de 1 000 biographies, plus de 100 000 connexions par mois ? AWARE reste unique au monde dans son ambition géographique et sa chronologie. On les soufflera à plusieurs, ces bougies. Une petite équipe parisienne si engagée, et ma grande équipe internationale qui l’est tout autant, se réjouiront de cet exploit. Une diversité de voix, un projet collectif et horizontal, où le « plusieurs » produit le meilleur. Le W de Women, femmes, dont la parole libérée, libératrice, radicale et politique, transforme en profondeur le XXIe siècle. Tandis que la fluidité des genres, la non binarité ouvrent des portes vers d’autres continents. Un double V de victoire ? De l’émerveillement (Wonder), en tout cas. Nous vivons une révolution anthropologique dans laquelle AWARE est un des personnages vivaces, vivants. Révolution dont le sujet est la parole, la visibilité. Ne pas être vue, pour une artiste, c’est une violence. Rendre visible, c’est rendre justice. Les Artistes femmes ont été présentes partout, elles ont composé, réalisé, écrit, et c’est porté par cette conviction que le projet d’AWARE s’est développé à la fois progressivement, de plus en plus international et chronologiquement large. Il s’est ouvert d’abord au XIXe, et maintenant au XVIIIe, pourquoi ne pas remonter aux origines? Il est limité, aujourd’hui, aux arts visuels, mais l’architecture, le cinéma, les arts appliqués, peut-on en rêver ? R comme Rêve. Car on continue à rêver. AWARE se définit d’abord comme un centre de recherche, un partage effectif de celui-ci en temps réel. Car trop de temps a été perdu à penser que les artistes femmes n’existaient pas, qu’il y en avait si peu. Aujourd’hui, leur masse critique invite à écrire une autre histoire, avec d’autres mots, d’autres mouvements, d’autres avant-gardes. E comme Étonnement, comme Énorme. S’adresser à tous les publics, y compris les non spécialistes, rester gratuit, c’est une gageure. Partager, transmettre, un objectif majeur et difficile. Exposition : sur le site d’AWARE, on les montre, ces œuvres, avec de nombreuses reproductions. L’équilibre entre texte et image, la présence du son, de l’animation, sont essentielles. » Camille Morineau, Directrice générale d'AWARE

Metamorphoses offers children a chance to explore various metamorphoses – natural, amazing and also personal – by bringing together science and imagination. It also introduces the basis of a scientific approach by encouraging children of all ages to observe, be amazed and question – whilst stimulating their imagination. Whether they are the sources of fascination or apprehension, metamorphoses open up new possibilities.

Scénographié au sein d’un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : l’ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel depuis mai 2023, dédiée à l’art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d’artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde. Le 110 Honoré, lieu pluridisciplinaire unique à Paris Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d’une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d’un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d’un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d’une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L’ouverture de l’ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023. Déjà ouverte à l’heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l’équilibre alimentaire de chacun, promesse d’une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai. « La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s’installer durablement à Paris s’inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel. La galerie 110 Véronique Rieffel, au cœur du 110 Honoré Initialement créée en Côte d’Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l’art et qui s’engage aux côtés d’artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s’affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent. Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu’elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l’international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d’un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. Parallèlement à la programmation au sein de la galerie, sera lancée une collection de livres d’art en lien avec les artistes représentés par Véronique Rieffel. Makenzy Orcel, l’un des écrivains les plus talentueux de la littérature contemporaine sera le premier invité à poser son regard sur Clay Apenouvon. Pour son exposition inaugurale, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente l’œuvre de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. L'exposition inaugurale Clay Apenouvon, « NOIRTOTAL » 12 mai - 30 juillet 2023 Pour son ouverture, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente « NOIRTOTAL », une exposition personnelle de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. Cette exposition rassemblera à la fois des pièces iconiques d’une œuvre construite depuis plusieurs années autour de ses deux matériaux de prédilection : le film plastique noir et la couverture de survie à la symbolique à la fois politique et écologique. Celui que l’on appelle le « Soulages ou le Christo africain », présentera également des œuvres inédites, entre abstraction et figuration, explorant la métaphore de l’artiste boxeur inspirée par la figure légendaire de Mohamed Ali. Clay Apenouvon est né en 1970 à Lomé au Togo. Enfant, il entretient une relation conflictuelle avec l’institution scolaire. Loin des contraintes imposées par le cadre de l’école, il construit, crée et invente. Ainsi dès le plus jeune âge, c’est dans la créativité que l’artiste trouve la source de son épanouissement. Fasciné par le pouvoir que l’image peut exercer sur l’humain et maîtrisant les techniques de la peinture et du dessin, il affirme sa volonté de donner à sa création une portée plus grande et de s’accomplir en tant qu’artiste.

Scénographié au sein d’un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : l’ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel depuis mai 2023, dédiée à l’art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d’artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde. Le 110 Honoré, lieu pluridisciplinaire unique à Paris Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d’une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d’un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d’un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d’une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L’ouverture de l’ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023. Déjà ouverte à l’heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l’équilibre alimentaire de chacun, promesse d’une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai. « La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s’installer durablement à Paris s’inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel. La galerie 110 Véronique Rieffel, au cœur du 110 Honoré Initialement créée en Côte d’Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l’art et qui s’engage aux côtés d’artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s’affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent. Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu’elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l’international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d’un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. Parallèlement à la programmation au sein de la galerie, sera lancée une collection de livres d’art en lien avec les artistes représentés par Véronique Rieffel. Makenzy Orcel, l’un des écrivains les plus talentueux de la littérature contemporaine sera le premier invité à poser son regard sur Clay Apenouvon. Pour son exposition inaugurale, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente l’œuvre de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. L'exposition inauguraleClay Apenouvon, « NOIRTOTAL »12 mai - 30 juillet 2023 Pour son ouverture, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente « NOIRTOTAL », une exposition personnelle de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. Cette exposition rassemblera à la fois des pièces iconiques d’une œuvre construite depuis plusieurs années autour de ses deux matériaux de prédilection : le film plastique noir et la couverture de survie à la symbolique à la fois politique et écologique. Celui que l’on appelle le « Soulages ou le Christo africain », présentera également des œuvres inédites, entre abstraction et figuration, explorant la métaphore de l’artiste boxeur inspirée par la figure légendaire de Mohamed Ali. Clay Apenouvon est né en 1970 à Lomé au Togo. Enfant, il entretient une relation conflictuelle avec l’institution scolaire. Loin des contraintes imposées par le cadre de l’école, il construit, crée et invente. Ainsi dès le plus jeune âge, c’est dans la créativité que l’artiste trouve la source de son épanouissement. Fasciné par le pouvoir que l’image peut exercer sur l’humain et maîtrisant les techniques de la peinture et du dessin, il affirme sa volonté de donner à sa création une portée plus grande et de s’accomplir en tant qu’artiste.

Scénographié au sein d’un immeuble en pierres typiquement parisien, associant subtilement le cuivre, le bois et la pierre comme une invitation à prendre son temps, ce nouvel espace est pensé comme un véritable lieu de vie. Premier temps fort du 110 Honoré : l’ouverture de la Galerie 110 Véronique Rieffel depuis mai 2023, dédiée à l’art contemporain, la photographie, le design et présentant des oeuvres d’artistes originaires du Moyen-Orient, du continent africain comme des artistes occidentaux ayant tissé des relations fécondes avec ces régions du monde. Le 110 Honoré, lieu pluridisciplinaire unique à Paris Ambitieux projet de 300m2 sous la direction artistique de la galeriste Véronique Rieffel, le 110 Honoré se compose d’une galerie se voulant authentiquement universelle dans le choix des artistes représentés, d’un restaurant, la Table du 110 de la cheffe Ève Maillé offrant une cuisine bio et locavore et bientôt d’un café caché, caveau pouvant accueillir performances, rencontres artistiques et littéraires. Le 110 Honoré est doté également d’une salle proposant des séances de yoga ou encore des ateliers de pratiques artistiques. L’ouverture de l’ensemble de ces lieux est progressive et sera complète en septembre 2023. Déjà ouverte à l’heure du déjeuner, la Table du 110 propose une cuisine jouant sur les saisons et soucieuse de l’équilibre alimentaire de chacun, promesse d’une dégustation quotidienne. En bas des marches du 110, se cache le 110 Secret, parcours intime mêlant oenologie, expositions, musique et événements et dont la programmation débutera dès le mois de mai. « La Galerie a été créée initialement à Abidjan en 2019. Le choix de s’installer durablement à Paris s’inscrit dans la dynamique du renouveau artistique de la ville de Paris redevenue depuis la pandémie mondiale une scène culturelle de premier plan et de plus en plus ouverte aux esthétiques des suds », commente Véronique Rieffel. La galerie 110 Véronique Rieffel, au cœur du 110 Honoré Initialement créée en Côte d’Ivoire en 2019, la galerie accompagne une scène artistique ivoirienne et, au-delà, africaine en pleine effervescence qui entend se situer dans une approche non occidentalo-centrée du marché de l’art et qui s’engage aux côtés d’artistes à la fois émergents et confirmés. La galerie s’affirme comme un lieu ressource pour enrichir la connaissance des artistes représentés et des courants esthétiques auxquels ils se rattachent. Nouvellement ouverte à Paris et forte de cette expérience, la Galerie 110 Véronique Rieffel est soucieuse de présenter des esthétiques et des géographies plurielles. Elle a à cœur de faire rayonner les artistes qu’elle suit depuis ses débuts et de les faire connaître à l’international. Elle a aussi pour vocation de renforcer leur dialogue avec les diasporas et les scènes parisiennes ouvertes sur le monde. En assurant la direction artistique du 110 Honoré, Véronique Rieffel insère dans un écosystème culturel plus large sa vision des arts visuels qui font partie intégrante d’un art de vivre. Dans cet espace de 120m2, Véronique Rieffel propose une ligne artistique exigeante et paritaire avec une approche pluridisciplinaire rendue possible par des dialogues et des résonances entre artistes et auteur.e.s, littérature et arts visuels. Photographies, sculptures, installations, vidéos, peintures et dessins sont proposés au rythme de dix expositions par an. Parallèlement à la programmation au sein de la galerie, sera lancée une collection de livres d’art en lien avec les artistes représentés par Véronique Rieffel. Makenzy Orcel, l’un des écrivains les plus talentueux de la littérature contemporaine sera le premier invité à poser son regard sur Clay Apenouvon. Pour son exposition inaugurale, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente l’œuvre de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. L'exposition inauguraleClay Apenouvon, « NOIRTOTAL »12 mai - 30 juillet 2023 Pour son ouverture, la Galerie 110 Véronique Rieffel présente « NOIRTOTAL », une exposition personnelle de l’artiste togolais Clay Apenouvon jusqu'au 30 juillet 2023. Cette exposition rassemblera à la fois des pièces iconiques d’une œuvre construite depuis plusieurs années autour de ses deux matériaux de prédilection : le film plastique noir et la couverture de survie à la symbolique à la fois politique et écologique. Celui que l’on appelle le « Soulages ou le Christo africain », présentera également des œuvres inédites, entre abstraction et figuration, explorant la métaphore de l’artiste boxeur inspirée par la figure légendaire de Mohamed Ali. Clay Apenouvon est né en 1970 à Lomé au Togo. Enfant, il entretient une relation conflictuelle avec l’institution scolaire. Loin des contraintes imposées par le cadre de l’école, il construit, crée et invente. Ainsi dès le plus jeune âge, c’est dans la créativité que l’artiste trouve la source de son épanouissement. Fasciné par le pouvoir que l’image peut exercer sur l’humain et maîtrisant les techniques de la peinture et du dessin, il affirme sa volonté de donner à sa création une portée plus grande et de s’accomplir en tant qu’artiste.

Ce dispositif pédagogique d’envergure s’adresse aux étudiantes et étudiants formés à l’École des Arts Décoratifs, ainsi qu’aux élèves de La Renverse, programme dédié aux talents éloignés des cursus académiques classiques. Le NID s’organisera en deux volets complémentaires : renforcer la place et la pratique du dessin dans l’enseignement dès la première année d’intégration à l’École et déclencher des vocations autour du dessin. Cette Chaire déploiera chaque année un cycle de découverte et de création à Paris et hors-les-murs, des bourses d’études et de production du projet diplômant, ainsi qu’un programme de mentorat professionnalisant. La coordination scientifique et artistique sera assurée par Alexandra Fau, commissaire d’exposition indépendante, critique d’art et enseignante en histoire de l’art. « Plus de 250 ans après la création de l’École des Arts Décoratifs comme école de dessin gratuite, le NID, Chaire des Nouveaux Imaginaires du Dessin, a pour vocation de consolider et de développer cette pratique fondatrice au sein de la pédagogie. Grâce au mécénat de la maison Hermès, avec laquelle nous partageons des valeurs de transmission et de savoir-faire, nous avons les moyens de mettre en œuvre un ambitieux programme éducatif, qui viendra aussi en appui d’une politique d’ouverture sociale, avec un important volet de bourses. Catalyseur d’une pédagogie augmentée et de soutiens transformateurs dans le champ du dessin, le NID est pensé pour les étudiantes et étudiants comme un foyer incubateur d’expression à venir pour un monde en transition.» - Emmanuel Tibloux, directeur de l’École des Arts Décoratifs « Dessiner, c'est panser » : Une première année sous le signe du soin « Dès la rentrée de septembre 2023, l’École inaugure un nouveau chapitre de sa relation historique au dessin, en lançant grâce au mécénat de la maison Hermès, le NID, Chaire des Nouveaux Imaginaires du Dessin, dont le nom suggère à la fois un refuge et de multiples échappées. Cette première année est placée sous le signe de l’empathie et de l’attention à l’Autre. Comment le dessin est-il en mesure de panser les plaies, de proposer une réécriture de soi, de se réconcilier avec l’histoire ou encore de restaurer une médiation (réparer le lien de l’homme à la nature) ? Ce nouvel élan pédagogique conforte l’importance d’un médium léger, agile et libre, capable d’accompagner les pensées vagabondes, les expérimentations ou les aspects plus techniques. Dès la première année, les étudiant·es pourront se saisir de ce formidable outil de connaissance et d’émancipation qui innerve tous les champs de la création. Ils seront encouragés à remplir des carnets d’annotations de « pensées plumes » et à développer de nombreuses applications. La Chaire mobilise les talents des enseignant·es de l’École, et d’un grand nombre de créateurs et professionnels invités, venus investir toutes les potentialités d’un médium qui, par ses multiples approches, permet d’accompagner le décloisonnement que notre époque appelle. Le NID redonne aussi au dessin une valeur d’usage qu’il a perdue ces dernières années, avec la célébration de son autonomie par le milieu de l’art contemporain. Son histoire liée à une utilité sociale ou technique ouvre un autre pan de l’histoire visuelle avec quelques points aveugles qui restent à explorer. » - Alexandra Fau, Coordinatrice scientifique du NID, Chaire des Nouveaux Imaginaires du Dessin Un dispositif d'envergure Provoquer les vocations, marquer les parcours créatifs Les 80 nouveaux étudiant·es de 1ère année de l’École des Arts Décoratifs Ce dispositif pédagogique d’envergure s’adresse aux 80 nouveaux étudiantes et étudiants de l’École des Arts Décoratifs, qui rejoignent l'École pour leur première année. Un ambitieux workshop et un voyage d’étude leur sont proposés dès le premier mois de la rentrée. Au programme de ces 3 semaines fédérant la nouvelle génération d’étudiant·es entrante : 1 semaine d’apprentissages et conférences, 1 semaine de voyage d’étude et création, 1 semaine de mise en scène de leurs dessins en vue de l’exposition finale du workshop. Le voyage d'étude, qui se déroulera du 18 au 21 septembre, permettra aux étudiant·es de s'imprégner des territoires oubliés du Nord de la France, des archives historiques de métiers particulièrement pénibles (avec le centre historique minier), de découvrir la Villa Cavrois, les collections du Louvre Lens, du Cateau-Cambresis ou de Valenciennes, du Frac Picardie... Tout au long de l’année, les étudiant·es profiteront par ailleurs de 4 nouveaux programmes d’enseignement et d’apprentissage du dessin et bénéficieront de l’expertise d’un nouvel enseignant en dessin à l’année, comme de plus de 30 artistes invités au long de l’année. 15 jeunes talents de La Renverse Le NID s’adresse aussi aux élèves de La Renverse, programme dédié aux talents éloignés des cursus académiques classiques. Imaginée par les Ateliers Médicis et l'École des Arts Décoratifs, La Renverse est une formation artistique d’une année qui s’adresse à des jeunes créatif·ves âgé·es de 18 à 25 ans, issu·es de Seine-Saint-Denis ou des départements limitrophes, passionné·es par la création, en particulier par la photo, la vidéo, la mode, le dessin ou encore le design. Deux semaines de workshop seront dédiées, grâce au NID, au medium dessin. La première semaine leur offrira une formation aux fondamentaux du dessin contemporain (morphologie, typographie, architecture, mode) avec des artistes spécialisés. La deuxième semaine leur permettra d'élaborer collectivement une œuvre en grand format dont l'exposition-restitution aura lieu aux Magasins Généraux à Pantin. Soutenir et accompagner les nouveaux talents À partir de la deuxième année sont également sont également mis en place d'importants dispositifs de soutien : 3 nouvelles bourses au mérite par an, de 4 000 euros chacune, pour 12 jeunes talents du dessin soutenus sur critères sociaux tout au long de leur scolarité avec un 1 mentorat professionnalisant ; 3 bourses d’excellence par an, de 1 000 euros chacune, pour 9 projets de diplômes incarnant le renouveau du dessin, soutenus par le NID.

celebrates the dynamic relationship between photography and the writing of Annie Ernaux. Winner of the Nobel Prize of Literature, Annie Ernaux is known for her social and feminist commitment, particularly to the younger generation, and for her ability to explore universal themes such as memory, identity and the human condition. Her precise style and emotional analysis have made her a major figure in contemporary literature. It combines texts from Ernaux’s book , 1993 – a record of happenings on trains, shops and streets in-and-around Cergy-Pontoise between 1985 and 1992 – with more than one hundred and fifty images from the MEP collection by major photographers such as Harry Callahan, Claude Dityvon, Dolorès Marat, Daido Moriyama, Janine Niepce, Issei Suda, Henry Wessel and Bernard Pierre Wolff, amongst others. The image selection covers the second half of 20th century and includes photographs mostly taken in France but also in England, Japan, USA and other countries. Photography has long been an interest of Annie Ernaux’s and references to childhood photographs appear across her work. In she takes a new approach, by directly attempting to write as if making images: “To describe reality as through the eyes of a photographer and to preserve the mystery and opacity of the lives I encountered.” The exhibition pays homage to Annie Ernaux's objective, by treating her words as photographs, displaying them on the walls of the museum. The diverse photographs that appear alongside her texts reveal a shared interest in the role of place and space in how modern life unfolds. Both images and texts unveil how ordinary and insignificant events we observe in the city reflects back at us broader societal inequalities and stereotypes. The exhibition is grouped around themes that underpin Ernaux’s observations – from the daily rituals of travel and consumption, to the performances of class and gender performance that underpin society’s hierarchies. Also considered are the feelings of fear and loneliness prevalent in the modern city, and the fine lines between what is public and private, shared and separate. The exhibition is the product of a residency conducted by the curator and writer Lou Stoppard in April 2022, which focused on using the MEP collection as a catalyst for new research and for linking photography to other mediums. To coincide with the exhibition, a catalogue will be published in French and in English by Éditions MACK in partnership with the MEP. Curator: Lou Stoppard Curator for the MEP: Victoria Aresheva

Tom Penn, son of Lisa Fonssagrives-Penn and Irving Penn, proposed this exhibition project to the MEP. He has generously donated part of this remarkable collection to the MEP. Lisa Fonssagrives-Penn (1911-1992), dancer, model, photographer, stylist and sculptor, is considered to be the first ‘supermodel’ in history. For 20 years, she was frequently featured in and , appearing on around 200 covers of the leading fashion magazines of her time. In 1949, at the age of 38, she was at the height of her career, and appeared on the cover of magazine. A much sought-after model, she collaborated with the greatest fashion photographers of the period: Fernand Fonssagrives, her first husband; Horst P. Horst, whose favourite model she was; George Hoyningen-Huene, George Platt Lynes, Erwin Blumenfeld, who famously photographed her hanging from the Eiffel Tower in a dress by Lucien Lelong; Louise Dahl- Wolfe, whose resolutely modern style suited Lisa perfectly; Irving Penn, whom she married in 1950, and who made her his partner in his greatest photographs, Richard Avedon, her friend Frances McLaughlin-Gill, the first woman photographer to be signed by ; and many others, including Kathryn Abbe, James Abbe Jr., Gene Fenn, Otto Fenn, Toni Frissell, Harold Halma, Genevieve Naylor, John Rawlings and Lillian Bassman. More than just a model, Lisa Fonssagrives-Penn contributed extensively to the creative process. Most of the photographs were taken in the studio and required long hours of preparation and a real connection between photographer and model.